Publié par Larry Gleeson
À PROPOS DE L’INTERDICTION
Photos de Magnolia
Ouverture le 30 avrile, 2021, dans les cinémas et à la demande
76 minutes
Suédois avec sous-titres anglais
* Festival international du film de Venise 2019 – Gagnant: Lion d’argent de la meilleure réalisation
SYNOPSIS: Une réflexion sur la vie humaine dans toute sa beauté et sa cruauté, sa splendeur et sa banalité.
Nous déambulons, oniriques, doucement guidés par notre narrateur à la Shéhérazade. Les moments non séquentiels ont la même signification que les événements historiques: un couple flotte au-dessus d’une Cologne déchirée par la guerre; sur le chemin d’une fête d’anniversaire, un père s’arrête pour attacher les lacets de sa fille sous la pluie battante; des adolescentes dansent devant un café; une armée vaincue marche vers un camp de prisonniers de guerre.
À la fois une ode et une complainte, À PROPOS DE L’INTERDICTION présente un kaléidoscope de tout ce qui est éternellement humain, une histoire infinie de la vulnérabilité de l’existence.
Roy Andersson sur À PROPOS DE L’INTERDICTION
Une interview de Philippe Bober
Certains des thèmes de ABOUT ENDLESSNESS sont présents dans vos autres films: l’optimisme représenté par la jeunesse, mais aussi la guerre et le désespoir, et l’absence de Dieu. Ici, vous montrez un prêtre qui ne croit pas en Dieu. Diriez-vous qu’il y a toujours un équilibre entre l’espoir et le désespoir?
Roy Andersson: Le thème principal de mon travail est la vulnérabilité des êtres humains. Et je pense que c’est un acte d’espoir de créer quelque chose de vulnérable. Parce que si vous êtes conscient de la vulnérabilité de l’existence, vous pouvez devenir respectueux et prudent de ce que vous avez.
Je voulais souligner la beauté de l’existence, d’être vivant. Mais bien sûr, pour obtenir cela, vous devez avoir un contraste. Vous devez montrer le mauvais côté, le côté cruel de l’existence.
En regardant l’histoire de l’art, par exemple, beaucoup de peintures sont très tragiques. Mais même s’ils représentent des scènes cruelles et tristes, en les peignant, les artistes ont en quelque sorte transféré l’énergie et créé l’espoir.
Pour chacun de vos films, vous vous êtes inspiré de la peinture. Quelles ont été vos influences pour ABOUT ENDLESSNESS?
Je m’intéresse aux artistes de Neue Sachlichkeit en raison de la force de leurs peintures. À mon avis, ils sont extraordinairement nets et détaillés: tout est net, tout est très clair et distinct. On ne trouve pas cette netteté dans l’histoire du cinéma: l’arrière-plan doit être flou. C’est pourquoi je trouve ces peintures très inspirantes pour mes scènes: tout est au point, même les moments grotesques de la vie.
Je suis souvent très jaloux de la peinture car j’ai le sentiment que l’histoire du cinéma n’a pas la même qualité que l’histoire de la peinture. Je veux vraiment que les films soient aussi riches que la peinture peut l’être.
Y a-t-il une peinture spécifique qui vous a inspiré pour ce film?
J’aime beaucoup le «Portrait de la journaliste Sylvia von Harden» d’Otto Dix.
Le mouvement Neue Sachlichkeit a eu lieu dans les années 1920 juste avant l’apocalypse. Diriez-vous que ABOUT ENDLESSNESS a également lieu juste avant une apocalypse?
J’espère que non. Il serait très pessimiste de penser que nous vivons un tel moment. Je ne pense pas que même Otto Dix croyait qu’une apocalypse allait arriver, mais il nous a mis en garde contre cette possibilité. Tous ses tableaux peuvent être considérés comme des avertissements. C’est également vrai pour les Maîtres Anciens, ils dépeignent notre existence mais aussi nous avertissent de sa brièveté: «Souvenons-nous que la vie n’est pas éternelle. Et vous devez être reconnaissant pour le temps qu’il vous reste.
Vous avez également mentionné l’architecture comme une influence, que le mouvement fonctionnalisme suédois des années 50 était un élément esthétique inspirant pour vos films. Quel est le lien entre le fonctionnalisme et ABOUT ENDLESSNESS?
J’avais l’ambition de montrer l’existence sous tous ses aspects: cela inclut le fonctionnalisme, le modernisme, le stalinisme. C’est un mélange d’ambitions multiples de créer des maisons, de créer des sociétés. Je n’avais pas l’ambition de créer un style pur, je voulais montrer notre temps, et en Suède, le fonctionnalisme était très populaire et abondamment utilisé.
Vous avez dit que la présence d’un narrateur dans le film s’inspire du personnage de Shéhérazade dans les mille et une nuits. Est-ce aussi la raison pour laquelle vous avez choisi une femme comme conteuse?
Oui, c’était un choix. J’ai hésité: j’ai essayé avec un homme, et même avec ma voix mais j’ai finalement trouvé plus intéressant de choisir une femme. Elle est comme une fée, très intelligente, peut-être même éternelle. C’est la première fois que j’utilise une voix off, c’est nouveau pour moi. J’ai été influencé par la voix dans HIROSHIMA MON AMOUR. Dans certaines scènes, le personnage principal décrit ce que le public voit à l’écran en même temps. Et j’ai vraiment adoré.
Vos films incluent toujours des scènes historiques, pourquoi est-ce si important pour vous?
J’ai toujours été très intéressé par l’histoire. C’était ma spécialisation à l’université: j’ai étudié l’histoire de la littérature, l’histoire de la philosophie, voire les langues nordiques. J’étais particulièrement intéressé par les deux guerres mondiales. Par exemple, j’ai été fasciné par les images de la Première Guerre mondiale que j’ai vues à l’adolescence.
Dans le film, les scènes de guerre représentent les perdants. Pourquoi?
Oui, les gagnants ne sont pas intéressants. Parce que nous sommes tous perdants dans un certain sens. Il est important de reconnaître qu’en fin de compte, personne n’est gagnant. Je ne suis pas pessimiste mais le fait est qu’il n’y a pas d’espoir. La vie est une tragédie. Je ne suis pas la première personne à le dire.
Je pensais qu’il s’agissait de l’orgueil, représenté par Charles XII, ou d’Hitler dans vos films.
Oui, à certaines périodes de votre vie, surtout lorsque vous êtes jeune, vous ressentez cet orgueil. Vous pensez que vous êtes invulnérable, que vous gagnerez toujours. C’est très caractéristique des jeunes et des gens forts. J’ai également ressenti ce sentiment moi-même, surtout quand j’avais environ 25 ans et que je venais de faire UNE HISTOIRE D’AMOUR SUÉDOISE. C’était ma période d’orgueil où je pensais que je serais toujours un gagnant, que je ne perdrais jamais si je me battais et travaillais assez dur.
Je voulais vous interroger sur la jeunesse dans vos films: qu’est-ce que cela représente pour vous?
C’est très beau, la plupart du temps. J’aime particulièrement regarder les enfants parce qu’ils sont pleins d’idées, d’espoir et de vitalité; c’est beau à regarder. Tant que vous êtes jeune, vous gardez cet espoir, mais ensuite vous le perdez pas à pas, à mesure que vous vieillissez.
Par exemple, j’aime beaucoup la scène montrant le père et la fille sous la pluie, en route pour une fête d’anniversaire. Le père renonce à son parapluie pour l’aider, un acte d’altruisme, tandis que la fille veut juste avoir ses chaussures attachées, et c’est tellement agréable à voir. Aussi, dans la scène avec les filles qui dansent, je trouve que c’est très charmant de voir la vitalité de ces jeunes qui sont très heureux d’exister, ils adorent danser et c’est ce qu’ils font. Il y a quelque chose de contagieux dans leur énergie.
Vous avez un sens de l’humour très particulier. Qu’est-ce que tu trouves drôle?
Je pense que la vérité est très souvent drôle. Quand j’ai commencé ma carrière, j’ai été inspiré par Milos Forman, Jiri Menzel et d’autres cinéastes tchèques. Ils nous ont montré l’existence sur un ton très humoristique. Représentant des gens un peu perdus, pour ainsi dire. Pas des perdants, mais un peu perdus. Et j’aime beaucoup ces films qui nous montrent ce genre d’humour: des histoires petites mais très drôles. Beaucoup de cinéastes tentent de créer cet humour quotidien, mais il est très facile d’échouer. J’échoue aussi plusieurs fois, mais je n’abandonne pas.
Avez-vous tout tourné dans votre studio?
Oui. À part un extérieur, la scène avec l’armée allemande en marche, qui a été tournée en Norvège.
Quelles ont été les scènes les plus difficiles du film, d’un point de vue technique?
Ce doit être la scène du couple volant. Même en mettant de côté la création de la ville modèle de Cologne, cela nous a pris beaucoup de temps. L’échelle est peut-être 1/200. Par exemple, la cathédrale mesure un demi-mètre de haut.
La ville entière est un ensemble énorme. Il a fallu un mois pour le construire.
Que signifie cette scène pour vous?
C’est un terrible souvenir de l’histoire: qu’une belle ville a été bombardée et détruite. Mais malgré cela, je voulais montrer que la vie continue. L’amour, la tendresse, la sensualité continuent d’exister. Il était important de montrer ces aspects de l’existence sur une ville détruite.
Bien que vous ayez ces scènes historiques, vos films ont un sentiment d’intemporalité et ici, cela est également lié au titre.
Oui, je voulais avoir ces scènes qui sont très proches de l’intemporalité même si on voit que c’est septembre ou qu’il neige ou qu’une scène historique il devrait y avoir une sensation d’intemporalité. Encore une fois, je suis inspiré par les peintures et les œuvres d’art qui nous parlent à notre époque et qui en ont parlé à d’autres il y a deux cents ans, ou plus. Cela suggère que nous, les êtres humains, sommes assez similaires à travers les âges et le temps.
L ‘«infinité» du titre n’a rien à voir avec l’espace sans fin. Ce n’est pas en termes de science, l’infini dans ce film parle de l’infini des signes d’existence, des signes d’être humain.
