La seule fois où je suis allé au World Trade Center, c’était en 1993 sur l’insistance de mon père, qui est un grand fan de «John Carpenter’s Escape from New York».
En fait, nous sommes allés sur le toit (je ne me souviens plus de quelle tour il s’agissait), nous nous sommes promenés et mon père a évalué l’espace. Il a déterminé que Snake Plissken, le grand anti-héros du film (incarné par le merveilleux Kurt Russell), n’aurait pas pu faire atterrir son planeur au sommet du WTC, car il n’y avait pas assez de place.
Plus tard, après avoir vraiment examiné la région, mon père (qui est pilote et a lui-même piloté de nombreux planeurs) a reconsidéré, mettant fin à son analyse selon laquelle la probabilité de Snake de survivre à l’atterrissage était «peut-être grande».
Le détail importait vraiment à mon Père. De toutes les choses dont je me souviens de ma seule et unique expérience à l’intérieur de la structure déterminante de New York, c’était l’enthousiasme du fanboy de mon père pour un Russell à la voix graveleuse et cache-œil dans une veste en cuir dont je me souviens le plus clairement.
Dans le film de Carpenter (son premier depuis «The Fog» et le mastodonte de Nielsen «Elvis», qui mettait en vedette Russell dans le rôle-titre), New York est devenue une immense prison. Plissken, moyen mais efficace de Russell, est le seul soldat solitaire digne d’entrer dans le no man’s land de 1997 à New York, où l’avion de sauvetage du président américain (Donald Pleasance) s’est écrasé.
Plissken n’a que 22 heures pour terminer sa mission suicide, dans laquelle il devient une cible instantanée simplement en montrant son visage en public.
«S’échapper de New York» prend son temps pour établir que l’Amérique a terriblement mal tourné et souligner la nature oppressive des forces de l’ordre qui gardent tout ce qui est indésirable à l’intérieur de New York.
Une fois que Snake atterrit au sommet du WTC et entre dans la ville à pied, il se sent plus proche d’un film d’horreur de Carpenter que de l’aventure comique dont beaucoup se souviennent. Oui, le casting de soutien est assez coloré pour provoquer un rire au premier regard (Isaac Hayes en tant que méchant duc de New York, Ernest Borgnine en tant que dernier chauffeur de taxi joyeux de la ville, etc.) mais tout le monde joue à ça pour de vrai.
De même, la performance de Russell, qui commence comme une impression amusante de Clint Eastwood mais devient un véritable cow-boy, le genre de guerrier grisonnant et tout vu à louer dans les films Leone et Kurosawa. Typique de Carpenter, qui est incapable d’assembler un ensemble terne, les personnages secondaires sont assaisonnés par Harry Dean Stanton, Adrienne Barbeau, Borgnine et Hayes, qui sont tous sincères et vifs dans leurs rôles.
Parmi les vedettes, Lee Van Cleef est merveilleux en tant que chef de la police qui fait confiance à Plissken (mais seulement autant) pour être envoyé à New York et réaliser l’impossible.
«Escape from New York» est carrément effrayant, avec les rues jonchées de déchets et des monstres / citoyens sans visage et à peine visibles se précipitant en arrière-plan de nombreux plans. Les prisonniers de La Grosse Pomme sont pour la plupart des punks ressemblant à des zombies et tout le monde est soit une victime, soit un agresseur.
La narration explique que les habitants de New York vivent dans leur monde autocontrôlé et sans loi, me rappelant la zone autonome de Capitol Hill (ou CHAZ) à Seattle l’année dernière.
Il s’agit moins d’un film d’action que d’une visite à pied d’une Amérique dépouillée de sa dignité.
FAIT RAPIDE: “Escape from New York” a gagné 25 millions de dollars au box-office américain en 1981, tandis que “Escape from LA” de 1996 a également généré 25 millions de dollars, une déception évidente étant donné le statut culte de l’original.
Il y a un moment obsédant où Snake explore le sous-sol du Radio City Music Hall et passe devant une pièce vacante où une femme est violée en silence par trois hommes. Snake note la violation avec dégoût, puis passe à autre chose et s’éloigne.
C’est une scène troublante, même si elle en dit long sur Plissken – la mission est tout. C’est un con pour ne pas se battre pour sauver cette femme, mais il sait aussi qu’elle et tout le monde à New York sont condamnés de toute façon.
Un moment similaire se produit plus tard, lorsque Plissken rencontre un local bavard (joué de manière frappante par Season Hubley, qui était mariée à Russell à l’époque). Leurs plaisanteries font allusion à un intérêt amoureux pour Plissken, mais une attaque aléatoire d’un endroit inattendu la détache soudainement de lui. C’est une vision extrêmement pessimiste et cynique de l’humanité.
Le dévouement incessant de Plissken à sa mission, aussi frustrant soit-il, convient parfaitement au personnage. Il en va de même pour le moment merveilleux où, une fois qu’il semble que toute la mission est un échec, il s’assoit sur une chaise, essayant de déterminer ce qu’il faut faire ensuite.
L’appel est le reflet de l’apocalypse ou de Carpenter sur l’épuisement des années 70 et le chagrin du mouvement optimiste Flower Power. Quelle que soit la manière dont vous choisissez de l’interpréter, Plissken est froid et sans sentimentalité, un méchant admirablement difficile à aimer, joué avec audace par l’un des acteurs les plus appréciés de l’histoire du cinéma.
Russell et Plissken étaient faits l’un pour l’autre, de la même manière, seul Carpenter aurait pu réussir.
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Il y a une célèbre scène supprimée, dans laquelle nous voyons Plissken commettre le vol qui l’a fait arrêter – c’était la première scène du film. J’adore la séquence et j’aimerais qu’elle soit encore dans le film fini. Néanmoins, le temps de course d’un peu plus de 90 minutes par et Carpenter, comme toujours, le maintient mince et sur ses pieds (le seul film lent du réalisateur est «Starman»).
Ensuite, il y a la suite, “John Carpenter’s Escape from LA” (1996), qui est arrivé tardivement, alors que la séquence de succès de Carpenter a été battue par trop de flops (comme le so-so “Village of the Damned” et le mal compris “In the Mouth of Madness »).
Russell, d’autre part, a finalement trouvé un élan majeur dans sa carrière, avec des succès surprises, tels que «Backdraft», «Unlawful Entry», «Tombstone» et «Stargate». À la déception de beaucoup, la deuxième aventure de Plissken, bien que certainement sombre, est humoristique, chargée de satire sociale et consciente de soi et est plus un remake qu’une véritable suite.
Alors que le public et les critiques étaient largement dédaigneux (contrairement à la réponse beaucoup plus enthousiaste que l’original a reçue des critiques et du box-office), «Escape from LA», comme «Gremlins 2: The New Batch», est, sans blague, l’un des meilleurs suites jamais faites.
De la même manière que la deuxième folie des Gremlins de Joe Dante se moquait d’elle-même et des suites en général, tout en augmentant l’échelle en taille et en usurpation, le film de Carpenter est une gaffe sur la culture d’Hollywood, les ennuis de Los Angeles et les attentes des suites en général.
L’intrigue: Snake Plissken (une fois de plus joué par Russell) a été saisi par les autorités et envoyé en mission mortelle pour la deuxième fois. On lui a injecté un virus qui le tuera à moins qu’il ne sauve la fille du président. Il semble que la première fille vit dans l’état carcéral de Los Angeles avec des révolutionnaires armés.
Ai-je mentionné que cela a eu lieu en 2013?
George Corraface joue Cuervo Jones, le méchant central et sa performance est décevante, en particulier par rapport à The Duke de Hayes dans l’original. Cependant, l’ensemble que Carpenter a assemblé ici est l’un de ses meilleurs et des plus fous.
Dans les rôles de soutien clés sont Valeria Golino, Stacey Keach, Pam Grier, Cliff Robertson (en tant que président des États-Unis!) Et Peter Fonda en mode surfeur complet. Il y a aussi une scène fiable qui vole le tour de Steve Buscemi dans le rôle de «Map of the Stars Eddie» et, dans un camée brillant, de Bruce Campbell en tant que chirurgien général de Beverly Hills.
Le trancheur de chair fou de Campbell a clairement eu autant de travail que ses patients. La satire à portée de main n’est pas subtile, mais elle est drôle et efficace.
Pris comme une comédie noire, «Escape From LA» fonctionne toujours. Plissken est peut-être l’un de nos anti-héros de film les plus difficiles, mais il est aussi drôle, car Russell taquine toujours le personnage de Man With No Name d’Eastwood. L’impasse hilarante de Russell et la représentation dans le magazine Mad Magazine d’une Cité des Anges déformée font rire.
Comment se compare-t-il à l’original? Brillamment, en fait. Plutôt que de faire une suite directe et consciemment «sombre» à un original déjà sombre, Carpenter et Russell décident de parodier avec amour l’original et de taquiner sans pitié les aspects les plus collants de Los Angeles. Les effets spéciaux peuvent être positivement analogiques, mais les cibles de la satire sont encore mûres, tout comme la mise en garde d’un monde dirigé par un fou de droite.
C’est aussi un film d’action boules contre le mur, avec une scène mémorable après l’autre. Le siège de moto à un seul homme de Plissken est une pièce d’ensemble proprement mise en scène. Un match de basket-ball à faire ou à mourir est tout à fait loufoque, tout comme le moment sciemment ultra-campy où Plissken attrape une vague et saute d’une manière ou d’une autre sur la voiture de Map the Stars Eddie.
Ensuite, il y a la grande finale, qui semble avoir échappé à la conscience de la culture pop: Plissken et son équipage affrontent Disneyland en deltaplane, les canons flambant sur Main Street. Pourquoi diable n’est-il pas aussi considéré comme un objet culte que l’original? Il est peut-être destiné aux rires, mais c’est tout aussi audacieux, fou, piquant et diaboliquement imaginatif que son prédécesseur.
La scène finale est à couper le souffle, à la fois comme un reflet de l’anarchisme cinématographique de la fin des années 90 (pas sans rappeler «Fight Club») et comme l’avant-dernier exemple de jusqu’où Carpenter est prêt à aller.
Le dénouement est calme et la grande révélation est traitée comme peut-être la plus grande surenchère de l’histoire humaine. Plissken ne cherche jamais la gloire, l’argent ou même une maison mais le privilège de marcher dans l’ombre et d’être laissé seul.
Son moment de clôture est le majeur le plus gros et le plus fort qu’il puisse donner aux pouvoirs en place. La sortie de Plissken est une victoire provocante. Il en va de même pour le film. Il n’y aura plus jamais de suite comme celle-ci.
Qu’il s’agisse de prospecter l’épave de New York ou de Los Angeles, Carpenter et Plissken, son avatar fatigué, passent au crible les cendres de la pourriture humaine et lui donnent un haussement d’épaules en colère et dédaigneux. Dans la vision du cinéaste, il n’y a pas de fin heureuse ou de catharsis possible lorsque le protagoniste et la terre brisée qu’il explore sont si loin.
Lorsque le monde est un tas d’ordures peu fiable qui vous engloutira et que notre seul «héros» est Snake Plissken, il n’y a pas de véritable évasion.
