Les précédents récipiendaires du prix, qui est inhabituel dans sa portée internationale et son accent sur la sculpture, incluent des artistes tels que Michael Rakowitz, qui est connu pour reproduire des artefacts irakiens pillés, et Doris Salcedo, qui mène des entretiens avec des survivants de la violence qui inspirent des idées conceptuelles obsédantes. sculptures. Le prix est assorti de 100 000 $ et est suivi d’une programmation axée sur le travail de l’artiste, y compris des expositions en galerie et des conférences, menant à un gala en avril.
La pratique multidisciplinaire de Nengudi – qui comprend la sculpture, la performance, la danse, la photographie et le cinéma – défie les conventions et fait descendre l’art de la tour d’ivoire. Au nom de l’art, l’homme de 79 ans a animé une danse rituelle sous un viaduc de l’autoroute de Los Angeles dans “Ceremony for Freeway Fets” (1978). Elle a accroché des “esprits en tissu” en tissu de drapeau des escaliers de secours à Harlem pour capturer ce qu’elle a appelé les “âmes intérieures” des gens qu’elle a vus dans la rue. Et surtout, elle a transformé des collants usés, parfois remplis de sable, en méditations tactiles et viscérales sur le corps féminin. (Elle a dit un jour qu’elle pouvait tenir une exposition entière dans son sac à main). Son œuvre, qui s’étend sur plus d’un demi-siècle, a croisé les mouvements féministes et des arts noirs.
À une époque où les droits des femmes sont activement restreints, les sculptures en collants emblématiques de Nengudi s’étendent sur les murs du musée avec une audace et une résonance renouvelées. Ils sont suspendus, allongés, tordu et noué, prenant un objet qui a été créé pour remodeler le corps des femmes afin de répondre aux attentes et le tournant sur la tête, désignant les parties du corps affaissées, gonflées et bombées que tant de personnes ont été conditionnées à mépriser.
Jeremy Strick, directeur du Nasher, a déclaré dans une interview que Nengudi se distingue par ses collaborations pionnières, qui mêlent souvent la danse et l’art de la performance à la sculpture ; son utilisation de matériaux humbles installés dans des espaces accessibles ; et sa façon d’aborder des questions sociales qui restent d’actualité aujourd’hui.
« Ces dernières années, l’extraordinaire créativité de la communauté artistique noire – qui, dans les années 70 et 80, était à bien des égards marginalisée – est maintenant reconnue. Et donc elle occupe une place critique dans l’histoire des arts noirs mais aussi de l’art, point final », a-t-il déclaré. “À un moment où le droit des femmes à contrôler leur corps a été retiré, c’est une artiste dont l’exploration de l’identité féminine à travers des œuvres réalisées avec des collants parle avec beaucoup de puissance et de pertinence.”
L’idée des collants de Nengudi, connus collectivement sous le nom de “RSVP”, lui est venue après avoir donné naissance à son premier enfant. “Je cherchais des matériaux qui reflétaient le corps féminin”, a-t-elle déclaré à la conservatrice Elissa Auther dans une histoire orale pour les Archives of American Art. « Et puis, enfin, j’ai trouvé le collant. Juste après ça, je me suis dit “Wow”, parce que toute l’expérience de l’accouchement – vous vous développez et puis tout d’un coup, après que c’est fini, vous vous contractez, et votre corps se remet en forme. Je voulais vraiment exprimer en quelque sorte cette expérience.
Le travail de Nengudi a longtemps été intimement lié au corps. En tant qu’étudiante à la California State University, Los Angeles (aujourd’hui UCLA), Nengudi, née à Chicago sous le nom de Sue Irons, a étudié à la fois la danse et l’art, sachant qu’une carrière dans la danse serait nécessairement de courte durée et qu’elle aurait besoin de quelque chose. à faire ensuite. Son expérience de travail dans l’éducation artistique à l’ancien musée d’art de Pasadena (aujourd’hui le musée Norton Simon) lui a ouvert les yeux sur la manière dont l’art et la danse pouvaient coexister : le musée avait son propre département de danse et les éducateurs dansaient devant des œuvres d’art comme outil pédagogique. pour les enfants.
Dans une déclaration annonçant le prix, la conservatrice de la National Gallery of Art, Lynne Cooke – l’une des jurées du prix Nasher – s’est adressée à une partie de ce qui rend le travail de Nengudi si percutant. “Le fait qu’elle travaille avec ces moyens de tous les jours qui n’avaient pas d’histoire dans la sculpture et n’avaient pas une grande valeur est quelque chose qui signifie beaucoup pour les jeunes artistes ainsi que pour un public plus large”, a écrit Cooke.
Au début de sa carrière, Nengudi a été attirée par ce qu’elle appelait le «non-artisanat» d’artistes tels que Paul Klee, et fait du bénévolat dans des programmes d’éducation artistique expérimentaux centrés sur les Noirs aux Watts Towers de Los Angeles — des sculptures massives faites d’objets trouvés. Dans les années 1960, elle est devenue tellement fascinée par Gutai – un mouvement artistique japonais radical dans lequel des artistes se roulaient dans la boue, à moitié nus et peignaient des toiles avec leurs pieds – qu’elle a déménagé au Japon. Là, elle en est venue à apprécier la façon dont l’esthétique japonaise embrassait la simplicité et l’imperfection, et elle a étudié le théâtre nô et kabuki, qu’elle a loué pour combiner différents médias artistiques.
Lorsque Nengudi est finalement revenue à Los Angeles, elle a fondé Studio Z, une collaboration d’art noir, et a travaillé aux côtés de David Hammons et Maren Hassinger, qui ont souvent participé à des performances dans lesquelles Hassinger a dansé parmi les sculptures de Nengudi.
Basé à Colorado Springs, Nengudi a été célébré dans des rétrospectives dans de grands musées tels que le Philadelphia Museum of Art et le Denver Art Museum. Dia Beacon de New York prévoit une exposition de son travail prévue pour février.
Mais les musées et les récompenses, qui cherchent à commémorer et à commémorer, sont, à certains égards, antithétiques à l’esprit du travail de Nengudi – du moins selon Nengudi. “Le plus grand désir supposé d’un artiste est la fabrication d’objets qui dureront des vies pour la postérité après tout”, a-t-elle déclaré. « Cela n’a jamais été une priorité pour moi. Mon but est de créer une expérience qui vibrera avec le fil conducteur.
