Wes Anderson‘s La dépêche française est un spectacle journalistique éblouissant de couleur, de design et de locution composé d’une nécrologie, d’un guide de voyage et de trois reportages. La nécrologie lance le récit vignette car elle doit préparer le terrain pour les quatre sections suivantes. Pourquoi? Parce que le fondateur et rédacteur en chef du magazine titulaire, basé dans la ville française fictive d’Ennui-sur-Blasé (recherchez la traduction pour un petit rire), est mort à 75 ans.
Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray) a consacré sa vie à La dépêche française et regorgeait de conseils de l’industrie. “Essayez de donner l’impression que vous l’avez écrit de cette façon exprès”, disait-il. Maintenant qu’il est parti, l’opération s’arrête définitivement selon ses souhaits, ce qui signifie : un dernier problème. À la manière de Wes Anderson, un narrateur (exprimé par Angélica Huston) nous lit à travers les articles à un rythme idiot. Elle débite des mini-biographies, des histoires locales et des statistiques qui semblent sortir d’un chapeau dans un pur délice. Il est presque impossible de tout suivre du premier coup. Peut-être encore le deuxième et le troisième.
De la même manière que votre comédie préférée produit trop de bonnes blagues par minute pour vous en souvenir de toutes, La dépêche française produit des détails créatifs et des histoires dans les histoires à l’infini. Vos morceaux de choix pourraient se perdre dans la mêlée quelques minutes plus tard, mais c’est parce que vous avez vu ou entendu dix autres choses que vous avez aimées depuis. Nul doute que cela ne fera que rendre les rewatchs plus riches.
Après la nécrologie vient le guide de voyage – ou la section locale (seulement quelques pages) – écrit par Herbsaint Sazerac (Owen Wilson). Comme tous les scénaristes des sections à venir, il prend en charge la narration tout en étant fortement présent dans le processus. Souvent, ils parlent à la caméra ou racontent leur histoire à d’autres à l’écran dans le contexte du film. Pour sa part, Sazerac nous fait visiter la ville endormie d’Ennui-sur-Blasé pour nous donner un sentiment d’appartenance.
Et en un rien de temps, nous arrivons ensuite à notre premier long métrage : « The Concrete Masterpiece » de JKL Berensen (Tilda Swinton) dans la section Arts & Artistes (pages 5-34). Benicio, le taureau, Léa Seydoux, et Adrien Brody menez l’histoire d’une œuvre d’art fictivement célèbre intitulée Simone, Nue, Cell Block J, Hobby Room et l’artiste forçat feutré Moses Rosenthalter (Del Toro) derrière. S’il y a un défaut important sur lequel se concentrer dans La dépêche française, c’est que « The Concrete Masterpiece » est la meilleure de toutes les histoires. En venant en premier, cela prépare les histoires suivantes à une mauvaise connexion émotionnelle.
Cela n’entraîne pas les deux autres vers le bas. Cela les empêche juste d’être à leur meilleur. Mais il se passe trop de choses intéressantes techniquement, stylistiquement et littérairement pour s’ennuyer ou se désengager.
Le deuxième long métrage est « Revisions to a Manifesto » de Lucinda Krementz (Françoise McDormand) dans la section Politique & Poésie (pages 35-54). Il se concentre sur les factions à la recherche de la paix au sein d’un corps de protestation étudiant, dirigé par Timothée Chalamet et nouveau venu franco-algérien Lyna Khoudri. Tous deux sont en bonne compagnie avec Del Toro, Élisabeth Mousse, Jeffrey Wright, et d’autres travaillant avec Anderson pour la première fois.
La troisième histoire, “La salle à manger privée du commissaire de police”, est écrite par Roebuck Wright (Wright) et présentée dans la section Goûts et odeurs (je n’ai pas eu ces numéros de page ; ai-je mentionné que ce film est rapide et détaillé ?). Je laisse celui-là à votre imagination.
Vingt-cinq ans après le début de la carrière de l’écrivain, réalisateur et producteur bien-aimé, nous savons à quoi s’attendre d’Anderson. Dans son style élaboré et tout à fait unique, le cinéaste né à Houston est devenu l’un des plus vénérés au monde. Ainsi, presque tout le monde dans le monde sait à quoi s’attendre. Cela signifie aussi qu’il peut faire ce qu’il veut. La plupart des cinéastes ne rêvent que de ce genre de liberté, mais cela a un prix, un défi intégré. La pression est toujours là pour innover.
Peut-il raconter une nouvelle histoire qui semble réellement nouvelle ? Anderson peut-il livrer ses marques de fabrique – un cadrage merveilleusement symétrique ; des listes d’articles tournées, étiquetées et commentées de manière originale ; des caméras traversant les décors voisins ; dialogue comique excentriquement sec – et en empiler davantage pour prouver que son esprit continue de bouger? Affirmer qu’il est aussi frais et excitant maintenant qu’il l’était lorsqu’il a commencé dans les années 1990 ? Qu’il n’aura pas recours à de vieux trucs ou à une IP étrangement familière ? La réponse, maintes et maintes fois, est un « oui » retentissant !
En fait, Anderson utilise trop de nouvelles astuces dans son dixième long métrage pour les suivre toutes. Mais ils sont imaginatifs et originaux d’une manière que vous ne pouvez que vous émerveiller si profondément dans la filmographie d’un vétéran. Surtout quand il s’en sortirait probablement avec le règlement. Par exemple, il réimagine l’image fixe d’une manière qui lui permet de déplacer la caméra sur plusieurs ensembles d’images fixes voisins (citations aériennes majeures). Tout le monde est figé mais lutte pour rester immobile comme s’il était dans les dernières secondes à tenir une pose impossible pendant trop longtemps. Mais c’est clairement destiné à un effet comique, et ça marche.
Une autre nouvelle technique exposée dans La dépêche française renverse cette relation entre l’alambic et le cinétique. Les plans statiques, superposés et magnifiques semblent vides au début, seulement pour qu’une rafale de personnes finissent par entrer dans le cadre. Ils pourraient être un essaim de flics surgissant de chaque trou dans lequel on pourrait se faufiler. Ou les citoyens paresseux d’Ennui-sur-Blasé qui commencent leur journée. Les deux sont un choc agréable lorsque vous avez d’abord pensé qu’il n’y avait personne.
À un moment donné, Anderson a une version passée d’un personnage qui échange des vêtements avec une future version d’un personnage comme moyen créatif de nous montrer que nous avons quitté le flashback et sommes revenus au présent. À un autre moment, une séquence d’animation à part entière occupe le devant de la scène. Le film alterne constamment entre la couleur et la cinématographie en noir et blanc. Ce dernier est nouveau pour Anderson à ce titre et se démarque visuellement des meilleurs films de Pawlikowski grâce au travail du directeur de la photographie de tous les temps. Robert Yeoman.
Dans l’un des moments les plus réfléchis du film, un chef parle de l’expérience d’un goût différent pour la première fois. « Une nouvelle saveur… c’est rare à mon âge. Quelqu’un le remercie et il répond : « Ne me remerciez pas. Je n’étais tout simplement pas d’humeur à décevoir tout le monde. Vous pouvez pratiquement entendre la voix d’Anderson. Une saveur aussi nouvelle que La dépêche française pour quelqu’un d’aussi établi et constamment créatif, c’est une chose rare. Il a raison.
Mais ce n’est pas une surprise venant de lui. C’est ce désir d’explorer, de ne pas décevoir, de trouver quelque chose de nouveau qui permet à Anderson de livrer rareté après rareté. Et c’est cette collection sans cesse croissante de raretés qui le maintient au sommet parmi les cinéastes les plus convaincants et inspirants qui travaillent aujourd’hui.
