C’est en grande partie parce que ce renouveau, réalisé par Sarna Lapine (la nièce de James Lapine), est si magnifique et si riche en émotions, ancré dans les performances de Gyllenhaal et Annaleigh Ashford en tant que maîtresse de George et modèle de l’artiste, Dot. Le spectacle est basé sur le chef-d’œuvre pointilliste de Georges Seurat de 1884, «Un dimanche après-midi sur l’île de La Grande Jatte, ” et George est une version lâche de Seurat, avec sa vie largement romancée. Alors qu’il esquisse des études de Dot, qui se plaint de l’inconfort, de la chaleur et de la concentration féroce de George sur son travail, des projections de ses croquis apparaissent sur un fond de scène, rendus pour que le public puisse être témoin en temps réel. Pendant tout ce temps, George raconte son processus de pensée: le défi de mettre de l’ordre et de l’harmonie sur une toile vierge.
Les dons de Gyllenhaal en tant qu’acteur sont bien documentés à présent, ce sont donc ses talents vocaux qui peuvent surprendre (observez, si vous ne l’avez pas déjà fait, la courte vidéo de Cary Fukunaga de Gyllenhaal chantant “Finishing the Hat” de George à l’Hudson) . Sa voix est riche, mesurée et emphatique. Mais c’est le jeu d’acteur qui coupe vraiment profondément, dans une fusion remarquable d’accomplissement technique et d’absorption intense dans un rôle. Quand il chante sur la cartographie d’un ciel, sentant des voix à l’extérieur mais étant totalement perdu de vue, «étourdi de la hauteur» de retomber sur terre, vous êtes tenté, comme Dot, de tout lui pardonner.
Ashford, qui a remporté un Tony pour la renaissance de la comédie Daffy en 2014 Vous ne pouvez pas l’emporter avec vous, est le film parfait de George en tant que Dot: impertinent, pratique et infiniment charmant. Mais elle transmet aussi la douleur exquise d’aimer quelqu’un d’aussi inaccessible, et sa chimie avec Gyllenhaal est pure. Vers la fin du premier acte, lorsque George dirige les nombreux éléments et personnages pour qu’ils se réunissent dans une synergie de musique et de visuels, il place Dot à l’avant de la «peinture», comme pour la garder proche. Mais les acteurs de soutien sont également habiles à apporter un relief comique et à équilibrer l’harmonie du spectacle: Robert Sean Leonard dans le rôle de Jules, un artiste accompli; Penny Fuller comme la mère de George, perdue dans la nostalgie; Phillip Boykin comme un batelier grossier et obstiné. Les personnages périphériques, de par leur nature, sont des archétypes éphémères, inclus pour fournir un contraste avec les représentations plus texturées de George et Dot.
Le deuxième acte de Dimanche dans le parc, qui bondit en avant jusqu’en 1984 – avec Gyllenhaal jouant un autre artiste nommé George et Ashford sa grand-mère, Marie, la fille de Dot – a souvent semblé discordant après la perfection du premier acte, mais Lapine parvient à rendre les deux moitiés plus symbiotiques en soulignant comment George’s l’art est lié à celui de son arrière-grand-père. Tout comme Seurat a utilisé le pointillisme et la science de la lumière pour créer de nouvelles couleurs et impressions, 1984 George lance une installation lumineuse appelée «chromolume» à l’Art Institute of Chicago. L’œuvre, créée par le scénographe Beowulf Boritt, plane au-dessus du public dans un étalage éblouissant d’illuminations, de tissages et d’ondulations au-dessus de la tête. Ashford, qui passe sans problème à jouer une grand-mère sudiste de 90 ans, évoque l’isolement et la frustration créatrice de George dans «Children and Art», une chanson adressée à sa mère dans le tableau. Les fissures dans sa voix et la faiblesse délibérée de la voix de Marie en font l’un des numéros les plus émouvants du spectacle.
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