Je suis auteur-compositeur à plein temps depuis 15 ans. En novembre, une de mes chansons est devenue virale. La chanson était “Rich People”, qui est une chanson jazzy et plaisante sur le capitalisme. Les paroles décrivent le fait d’être bombardé de mauvaises nouvelles et de rejeter la responsabilité de ces nouvelles sur toutes les mauvaises personnes (les Noirs, les Juifs, les immigrés), alors que les vrais coupables sont les super-riches.
C’était mon deuxième aperçu de la viralité d’Internet (le premier était un hommage que j’ai écrit à John Prine lors de son décès en 2020), et ce fut une bénédiction mitigée. Après avoir passé quelques heures à regarder joyeusement le nombre de vues grimper en millions, j’ai passé une semaine à supprimer des commentaires et à interdire les trolls.
Certains des commentaires étaient super (“Elle est comme Shania Twain rencontre Rage Against the Machine!”), Mais beaucoup ne l’étaient pas. De tous les commentaires de mauvaise foi, farfelus et fashy, j’ai trouvé celui-ci le plus drôle :
Croyez-moi, les gens. Si vous espérez devenir riche, devenir musicien est une stratégie incroyablement mauvaise.
J’ai 37 ans et je travaille comme musicien depuis mon adolescence. Je suis un artiste indépendant, ce qui signifie qu’aucune maison de disques ne finance mon travail. Et je suis américain, ce qui signifie qu’il n’y a pas non plus de financement public.
Parmi les auteurs-compositeurs-interprètes en activité, j’ai assez de succès. Depuis le retour tardif de la musique live, mon groupe et moi avons joué environ 150 spectacles aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Irlande. J’ai 90 000 auditeurs mensuels sur Spotify et environ 150 000 abonnés sur diverses plateformes de médias sociaux.
Tout ce travail, ce contenu et ce fandom génèrent de l’argent. Mais le montant que je peux garder est inférieur à ce que vous pourriez penser, et mon entreprise fonctionne sous une montagne de dettes sans cesse croissante.
J’entends des histoires similaires d’autres musiciens qui travaillent. La plupart d’entre nous n’aiment pas parler d’argent, parce que c’est embarrassant ; nous nous sentons frauduleux, désorganisés, chacun nourrissant un échec personnel privé.
Mais en réalité, chaque personne travaillant dans l’industrie de la musique aujourd’hui tente de prospérer dans un environnement hostile. Seuls les très chanceux, bien connectés ou bien financés survivent.
Alors, pour l’amour de la musique : Parlons argent.
Dette, trolls et rock & roll
En 2021, mon entreprise – que nous appellerons Carsie Blanton Industries – a généré un peu plus de 240 000 $ de revenus. (C’est le revenu brut, avant impôts.)
Carsie Blanton la personne gagné environ 31 000 $. C’est ce que j’ai mis sur mon compte courant personnel et que j’ai dépensé pour ma vie personnelle : loyer, nourriture pour chien, Hulu.
Pendant ce temps, Carsie Blanton Industries fonctionnait à perte, assumant une dette supplémentaire de 30 000 $, pour un total de 200 000 $.
C’est exact. Quinze ans après une carrière musicale réussie, en parcourant le monde et en vivant le rêve, j’ai une dette de 200 000 $.
Heureusement, je ne suis jamais allé à l’université, alors j’aime penser que c’est le coût de mon doctorat de la très prestigieuse School of Hard Knocks.
Pendant que je suis en mode confessionnel : Mon mari gagne plus d’argent que moi et m’a soutenu, ainsi que mon travail, de nombreuses façons au fil des ans, y compris financièrement. Grâce à lui, j’apprécie les luxes comme l’assurance maladie, la thérapie et l’accès au crédit.
J’ai eu du mal à révéler ce dernier élément (“Privilège !” “Mauvaise féministe !”), mais je pense que le risque en vaut la peine, car cet arrangement semble être assez courant. De nombreux musiciens qui travaillent ont des partenaires ou des membres de la famille qui complètent leurs revenus avec de l’argent, du crédit, une maison pour vivre ou une assurance maladie.
Et les musiciens ne sont pas les seuls à compter sur leur famille pour combler ces lacunes. Avec 50 millions d’Américains qui s’affrontent dans la “gig economy” et un quart des adultes de moins de 34 ans vivant avec leurs parents, il est probablement temps d’abandonner le trope selon lequel le succès ne compte que si nous l’avons atteint seul. (Comme ça, au moins quelqu’un peut prendre sa retraite !)
Se faire payer
Les trolls “Rich People” avaient tort de supposer qu’une vidéo virale me rendrait riche. (En fait, ces 3 millions de vues m’ont rapporté exactement zéro dollar.) En réalité, il y a trois façons d’être payé pour faire de la musique.
1. Libérer des albums : Mes derniers albums ont coûté entre 25 000 $ et 50 000 $ chacun pour enregistrer, mixer et masteriser. La plupart de cet argent est allé à d’autres personnes : musiciens, producteurs, ingénieurs. La plupart des gens, de nos jours, écoutent sur les services de streaming. Spotify me paie environ 0,004 $ par flux. (C’est quatre dixièmes de cent.) Donc, si une chanson est écoutée un million de fois, je gagne 4 000 $. Mais à ce jour, seule une poignée de la centaine de chansons que j’ai sorties ont atteint un million de streams. Donc, si j’ai besoin de 10 millions de streams pour payer un disque de 40 000 $, mais que je n’en reçois que 2 millions : mes revenus de streaming manquent d’environ 32 000 $.
Heureusement, certaines personnes achètent encore des CD et des disques vinyles (et des T-shirts, des affiches, etc.). Et la marchandise finit par faire des bénéfices. Mais pour réaliser ce profit, vous devez vendre environ la moitié de la marchandise, et une fois que vous avez vendu la moitié de la marchandise, il est temps de commander plus de marchandise ! Vraiment, le merchandising ressemble plus à un prêt renouvelable. En attendant, nous devons également payer pour le marketing. Les budgets marketing varient considérablement et peuvent être dépensés de toutes sortes de manières (vidéos musicales, publicités, promotion radio, publicité). J’ai dépensé entre 5 000 $ et 25 000 $ pour commercialiser mes albums.
Au total, mon coût pour faire et sortir un album se situe entre 50 000 $ et 90 000 $. Et bien qu’une partie de cet argent me revienne finalement des ventes et du streaming, la plupart ne le font pas.
2. Jouer en direct : Tourner avec mon groupe a été l’une des expériences les plus amusantes et enrichissantes de ma vie et a abouti à plusieurs de mes amitiés adultes les plus proches. Je ne l’échangerais pas pour 200 000 $. Apparemment.
Mais j’ai perdu plus d’argent en tournée que sur tous les autres aspects de mon entreprise, combinés. Il y a quelques années, une tournée m’a coûté 15 000 $. Imaginez que vous venez de faire six semaines de travail exténuant, physiquement et émotionnellement exigeant. Vous avez été malade. Vous avez été attrapé. Vous êtes resté assis dans un parking du Texas toute la journée, attendant que AAA vienne changer le pneu de votre remorque. Et à la fin, vous recevez une facture de 15 000 $.
Pendant ma crise de mi-pandémie, j’ai établi de nouvelles règles sur les tournées. Maintenant, je verse à la bande un salaire décent, je me paie en tant que membre de la bande, je couvre toutes nos dépenses et j’arrive au seuil de rentabilité. S’il y a un risque important d’aller dans le rouge sur un tour donné, on reste chez soi.
Dans les petites salles où nous jouons, c’est assez difficile d’y arriver.
Selon le nombre de vols, de membres du groupe et de spectacles dans une tournée donnée, je dois être payé entre 2 500 $ et 6 500 $ par spectacle pour atteindre le seuil de rentabilité.
Il est difficile d’imaginer à quel point les tournées coûtent cher, c’est pourquoi j’ai perdu tant d’argent en le faisant. Je ne vais pas vous ennuyer avec un vrai budget, mais voici quelques-uns des titres : Mon agent de réservation et mon manager prennent une commission sur le dessus (généralement 20 %, combinés), puis je paie trois ou quatre membres du groupe, plus vols, chambres d’hôtel, location de camionnettes et de matériel, et plus encore.
Nous avions l’habitude de tourner avec un budget restreint, et nous le pouvions probablement encore. Mais en plus des risques économiques encourus, il s’avère que ce qui est amusant à 20 ans ne l’est pas toujours à 30 ou 40 ans. Après plus d’une décennie à voir ensemble la “romance de la route” (tourner dans mon break, dormir par terre, jouer pour 12 personnes à Sacramento), le groupe et moi avons convenu qu’il était temps de changer. En tant que professionnels adultes, nous ne voulons plus partir sur la route pour acquérir une « expérience de vie ». Nous voulons être à la hauteur de notre travail, être très performants, passer une bonne nuit de sommeil et rentrer chez nous avec suffisamment d’argent pour payer le loyer.
3. Fans sur Internet : J’ai environ 700 abonnés sur Patreon, plus quelques milliers de fans qui précommandent mes albums ou font un don à nos diffusions en direct. L’année dernière, mes fans ont également couvert plus de 10 000 $ de perte de revenus en raison de Covid, de vols annulés et d’un cambriolage. Ces braves gens comblent le fossé entre l’argent qu’il en coûte pour faire de la musique et l’argent que la musique rapporte.
Bien sûr, il existe de nombreuses autres sources de revenus dans la musique (maisons de disques, publicités, événements d’entreprise), mais elles ont toutes leurs propres inconvénients. L’inconvénient que j’ai choisi est le suivant : en échange d’une totale liberté de création, je dois élaborer périodiquement un argumentaire de collecte de fonds, comme une station de radio publique ou un magazine progressiste.
Il convient également de mentionner que les avantages de ce travail sont hors du commun.
Nous parcourons le monde, travaillons avec nos meilleurs amis et éprouvons de la joie et un but sur notre lieu de travail. Et malgré les difficultés financières, nous n’avons généralement pas ressentir cassé – les fans ont fourni à mon groupe et à moi des repas somptueux, des maisons de vacances vides, même un bar à huîtres mobile après le spectacle.
Même si je meurs endetté, je n’échangerais pas ça contre un autre travail. Mais nous approchons rapidement d’un monde où les seules personnes qui peuvent se permettre d’être des artistes sont celles qui ont un accès considérable au crédit. Cela ressemble-t-il à un monde dans lequel vous voulez vivre?
Une industrie de services pour l’âme
Évidemment, je pourrais faire tout ça moins cher. Je pourrais faire des albums seul dans ma chambre et tourner en solo. Mais moins je dépense d’argent en albums et en tournées, moins j’emploie de musiciens. Ainsi, bien que « faites-le moins cher » puisse être un bon plan pour moi en tant qu’individu, ce n’est pas un bon plan pour l’industrie.
Il y a des centaines d’emplois et des centaines de milliers de personnes qui vivent de la musique. Et comme de nombreuses industries, la nôtre a pris coup sur coup au cours des 20 dernières années (Napster, Spotify, Ticketmaster, Covid), tandis que la possibilité de gagner un revenu de classe moyenne a pratiquement disparu.
En tant que musiciens, notre travail consiste à donner du sens et de la joie à la vie des gens. Nous sommes, comme le dit Roseanne Cash, “l’industrie des services pour le cœur et l’âme”. Et comme la plupart des emplois à valeur sociale, spirituelle ou humanitaire, celui-ci ne paie pas très bien.
Parce qu’il y a un problème insurmontable avec le business de la musique : la musique n’est pas un business. C’est une vocation.
La musique, comme la santé, l’éducation et la démocratie, n’est tout simplement pas un très bon produit. Si nous le voulons dans nos vies, nous devons trouver un moyen de le financer.
La plupart des pays aussi riches que les États-Unis accordent beaucoup plus de financement public aux artistes. Mais nous ne pouvons pas faire confiance au Congrès pour fournir un soutien ou tenir tête à des sociétés comme Spotify et Ticketmaster, sans une «pression d’en bas» importante. Cela signifie que nous tous, travailleurs de la musique et auditeurs de musique, exigeons qu’ils le fassent, de manière stratégique et organisée.
Des syndicats comme UMAW, ARA et AFM contestent les tarifs de diffusion en continu des entreprises et font pression sur les sites pour qu’ils mettent fin aux pratiques déloyales comme le maintien d’une réduction des revenus de la marchandise des artistes (#MyMerch). La National Independent Venue Association (NIVA) a aidé à obtenir un financement pandémique pour les petites salles, et la Music Workers ‘Alliance (MWA) vient de remporter une campagne visant à inclure des musiciens de New York dans un programme de secours Covid de 200 millions de dollars. Des programmes fédéraux comme les soins de santé universels aideraient à réduire le coût de la vie pour tout le monde, mais surtout pour les travailleurs à la demande.
Donc, si vous voulez aider votre musicien préféré, achetez un CD ou abonnez-vous à lui sur Patreon. Mais si tu veux aider musiqueengagez-vous dans la lutte pour les droits des travailleurs.
