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années 1980

Divertissement

3 chansons rock des années 80 qui ont relancé le rock and roll des années 50

by Antoine Girard
written by Antoine Girard

Publié le 2024-02-29 14:35:00. La musique contemporaine puise souvent son inspiration dans le passé, et les années 1980 ne font pas exception. Un retour en arrière stylistique particulièrement marqué, avec des artistes qui ont puisé dans l’esthétique du rock’n’roll des années 1950.

  • Billy Joel, avec son titre « Le temps le plus long », évoque l’âge d’or du doo-wop.
  • Queen, et plus particulièrement Freddie Mercury, a anticipé cette tendance avec « Une petite chose folle appelée amour ».
  • Bruce Springsteen a également intégré des influences des années 1950 dans son répertoire, notamment avec « Cadillac rose ».

La nostalgie musicale est un phénomène récurrent. Si l’on observe une fascination actuelle pour les années 1980, il est intéressant de noter que les musiciens de cette décennie étaient eux-mêmes fortement influencés par les années 1950. Cette tendance à revisiter le passé n’est pas nouvelle et témoigne d’une recherche constante d’inspiration et d’une volonté de réinterpréter des styles musicaux emblématiques.

Billy Joel, avec son succès de 1983, « Le temps le plus long », a clairement rendu hommage aux groupes de doo-wop des années 1950, tels que Frankie Lymon and the Teenagers. La chanson se caractérise par des mélodies simples et des harmonies vocales serrées, typiques de ce genre musical. Les paroles, empreintes d’une certaine innocence, contribuent également à cette atmosphère rétro :

« Il resterait encore de la musique à écrire / Que pourrais-je faire d’autre / Je suis tellement inspiré par toi / Cela ne s’est pas produit depuis très longtemps. »

Billy Joel

Queen, et en particulier Freddie Mercury, a été l’un des premiers groupes à explorer cette voie. Sortie initialement en 1979, puis popularisée sur l’album The Game en 1980, « Une petite chose folle appelée amour » est un pastiche assumé du rock’n’roll des années 1950, rappelant l’univers d’Elvis Presley. Mercury avait su capter l’énergie et l’enthousiasme des artistes de cette époque, insufflant à sa propre musique une touche de nostalgie.

Bruce Springsteen, avec « Cadillac rose », a également puisé dans l’esthétique des années 1950. Au-delà du titre évoquant la culture automobile de cette décennie, la mélodie et le rythme à la Chuck Berry témoignent de l’influence du rock’n’roll originel. Springsteen a toujours reconnu ses dettes envers ses prédécesseurs, et « Cadillac rose » en est un exemple éloquent.

(Photo de Fin Costello/Redferns)

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Divertissement

4 chansons country de 1988 que même les fans purs et durs ont oubliées

by Antoine Girard
written by Antoine Girard

Publié le 2024-02-29 14:35:00. L’année 1988 a été une année faste pour la musique country, mais certains titres, bien que couronnés de succès à l’époque, sont tombés dans l’oubli pour de nombreux fans. Retour sur quatre chansons qui ont marqué cette année, mais que même les mélomanes les plus passionnés pourraient avoir oubliées.

  • Randy Travis a enchaîné les succès avec « Honky Tonk Moon », huitième titre consécutif à atteindre la première place des charts.
  • George Strait a connu un autre hit avec « Baby Blue », une chanson qui a changé la vie d’un jeune auteur-compositeur.
  • Reba McEntire a revisité un classique avec « Sunday Kind Of Love », un titre déjà interprété par de nombreuses légendes.
  • Dan Seals a confirmé son succès avec « Addicted », bien que ce titre n’ait pas atteint la notoriété de ses plus grands tubes.

L’année 1988 restera gravée dans les mémoires des amateurs de musique country comme une période particulièrement riche en tubes. Parmi les nombreux artistes qui ont marqué cette année, certains titres, malgré leur succès initial, ont été quelque peu éclipsés par d’autres chansons plus emblématiques. Nous revenons sur quatre morceaux qui ont connu leur heure de gloire en 1988, mais qui méritent d’être redécouverts.

« Honky Tonk Moon » de Randy Travis

Randy Travis a intégré « Honky Tonk Moon » à son troisième album, Old 8×10. Composée par Dennis O’Rourke, cette chanson a permis à l’artiste de décrocher son huitième numéro un consécutif dans les charts.

La chanson s’ouvre sur ces vers :

« Chemin de terre au crépuscule, bois si frais et sombres / Là-haut, néon pâle, quelque part un chien aboie / Honky tonk moon / Continue de briller sur mon bébé et moi / Casser les boules de billard, noter les signaux / Juke box pompant doucement, blues d’été paresseux / Honky tonk moon »

Randy Travis, « Honky Tonk Moon »

Bien que « Honky Tonk Moon » ait atteint le sommet des classements, elle se situe entre deux de ses plus grands succès, « I Told You So » et « Deeper Than The Holler », ce qui explique peut-être qu’elle soit moins souvent citée comme l’un des titres phares de Randy Travis.

« Baby Blue » de George Strait

« Baby Blue » figure sur l’album If You Ain’t Been There You Don’t Know de George Strait. Écrite par Aaron Barker, cette chanson explore le sentiment de nostalgie et de regret lié à une relation passée.

Les paroles évoquent :

« Le bleu bébé était la couleur de ses yeux / Le bleu bébé comme le ciel du Colorado / Comme un souffle de printemps, elle est venue et est partie / Et je ne sais toujours pas pourquoi / Alors voici pour vous et pour celui qui tient mon bleu bébé ce soir »

George Strait, « Baby Blue »

Bien qu’il s’agisse de l’un des 60 titres de George Strait à avoir atteint la première place des charts, il n’a pas eu le même impact que certains de ses autres succès. Néanmoins, cette chanson a représenté un tournant décisif dans la carrière d’Aaron Barker. Comme il le confiait au The Tennessean : « Je gagnais environ 40 dollars par jour en vendant des oranges au bord de la route pendant quelques saisons, et les choses étaient vraiment difficiles. J’étais très inquiet. J’avais une femme, un enfant et une maison. Et puis j’ai reçu cet appel… à l’époque, je ne connaissais pas Erv Woolsey, mais il a laissé un message. Il m’a dit : “Appelle-moi. George Strait veut enregistrer l’une de tes chansons.” »

« Sunday Kind Of Love » de Reba McEntire

« Sunday Kind Of Love » de Reba McEntire, présente sur son album Reba, également sorti en 1988, a atteint le Top 5 des charts. Cependant, l’artiste n’est pas la première à avoir interprété ce titre.

Écrite par Barbara Belle, Anita Leonard, Stan Rhodes et Louis Prima, la chanson a vu le jour en 1946. Au cours des quatre décennies qui ont suivi sa sortie originale, plusieurs artistes, dont Jo Stafford, Ella Fitzgerald et Etta James, ont également enregistré « Sunday Kind Of Love ».

La chanson exprime le désir d’un amour durable :

« Je veux un genre d’amour du dimanche / Un amour qui dure depuis samedi soir / Et j’aimerais savoir / C’est plus qu’un coup de foudre / Je veux un amour du dimanche »

Reba McEntire, « Sunday Kind Of Love »

« Addicted » de Dan Seals

Dan Seals a sorti « Addicted » en 1988 sur son album Rage On. Avant lui, Cheryl Wheeler, l’auteure-compositrice de la chanson, l’avait enregistrée en 1986.

C’est toutefois Dan Seals qui a connu le plus grand succès avec ce titre, obtenant ainsi son huitième numéro un. La chanson décrit :

« Elle dit qu’elle a l’impression d’être accro à une très mauvaise chose / Toujours assise, à attendre, à se demander si le téléphone va sonner / Elle sait qu’elle rebondit comme un yo-yo quand il tire sur sa ficelle »

Dan Seals, « Addicted »

Bien que « Addicted » ait été un succès pour Dan Seals, il n’a pas atteint la même notoriété que ses autres tubes, tels que « Bop », « Everything That Glitters (Is Not Gold) ».

Photo de David Redfern/Redferns

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Divertissement

3 chansons nostalgiques des années 80 qui auraient dû figurer dans “Stranger Things” et qui doivent figurer dans la dernière saison (croisons les doigts)

by Antoine Girard
written by Antoine Girard

Publié le 29 novembre 2025 04:38:00. La série Stranger Things est réputée pour son ambiance nostalgique des années 1980, notamment grâce à sa bande originale soignée. Mais quelles chansons emblématiques de cette décennie n’ont pas trouvé leur place dans les premières saisons et mériteraient, selon certains, d’être intégrées à la dernière ?

  • La série Stranger Things utilise la musique des années 1980 pour créer une ambiance nostalgique.
  • Trois chansons en particulier auraient pu enrichir la bande originale des quatre premières saisons.
  • Les créateurs de la série pourraient envisager d’intégrer ces titres dans la cinquième et dernière saison.

Chaque saison de Stranger Things est marquée par un morceau musical qui évoque chez les spectateurs des souvenirs d’enfance des années 1980. Les créateurs, les frères Duffer, ont su habilement retranscrire l’atmosphère de cette décennie, tant visuellement qu’auditivement. Cependant, le temps d’antenne accordé à la musique reste limité, comparativement à la richesse de la production musicale de cette époque.

Nostalgie des centres commerciaux : « Nos lèvres sont scellées » (The Go-Go’s)

La troisième saison de Stranger Things a plongé les jeunes héros dans l’univers des centres commerciaux, un lieu emblématique des années 1980. Les téléspectateurs ont pu revivre une véritable bouffée de nostalgie au Starcourt Mall, avant que les événements ne prennent une tournure sombre, comme c’est souvent le cas pour les habitants d’Hawkins.

Une scène mémorable mettait en scène Eleven (Millie Bobby Brown) et Max (Sadie Sink) lors d’une séance de shopping rythmée par « Material Girl » de Madonna. Bien que ce choix musical fût pertinent, « Nos lèvres sont scellées » de The Go-Go’s aurait également été une option amusante et entraînante.

Sorti en 1981, ce titre incarne l’énergie débordante des années 80. Il est surprenant qu’il n’ait pas été inclus, ne serait-ce qu’une fois, dans les premières saisons de la série, notamment lors d’un moment plus léger.

Eddie Munson – Coupes profondes approuvées : « Peace Sells » (Megadeth)

Eddie Munson, l’un des personnages les plus populaires de la quatrième saison, représente la communauté des fans de métal des années 1980. En véritable roi de la contre-culture, il est souvent incompris par la majorité des élèves du lycée Hawkins. Ce malentendu devient un élément central de l’intrigue, offrant une réflexion sur les préjugés. Si une chanson metal des années 80 illustre parfaitement cette situation, c’est sans aucun doute « Peace Sells » de Megadeth.

Le groupe Megadeth tente, à travers ce morceau, de déconstruire les clichés associés aux fans de métal. Les paroles interrogent :

« Que voulez-vous dire par “je ne crois pas en Dieu” ? / Je lui parle tous les jours / Comment ça, je “ne supporte pas votre système” ? / Je vais au tribunal quand il le faut »

, illustrant une certaine ironie. Cette chanson, riche en sous-entendus, aurait parfaitement trouvé sa place dans l’ambiance de la quatrième saison de Stranger Things.

La chanson à la mode « Dernière chance avant la bataille » : « Kyrie » (M. Mister)

La musique des années 80 a le don de galvaniser l’auditeur. Chaque saison de Stranger Things comporte un moment musical destiné à insuffler un regain de confiance aux personnages. Face à une bataille imminente, tout soutien est le bienvenu. Les créateurs ont toujours su choisir le morceau idéal pour souligner ces instants clés, mais une chanson qui n’a pas encore intégré la bande originale et qui aurait un impact certain est « Kyrie » de M. Mister.

Ce titre se caractérise par des couplets lents, portés par des synthétiseurs pulsés, un élément sonore essentiel de l’univers de Stranger Things. Lorsque le refrain éclate enfin, il se transforme en un hymne puissant et percutant. Il possède l’énergie parfaite pour cette série et, espérons-le, figurera dans la bande originale avant qu’il ne soit trop tard.

(Photo de Michael Uhll/Redferns)

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Divertissement

«Woodfelling» de Thomas Bernhard – une excitation littéraire qui ne disparaît jamais

by Antoine Girard
written by Antoine Girard

Publié le 24 octobre 2024 10h30. Le roman Enregistrement de Thomas Bernhard, interdit de vente en 1984 après une plainte pour diffamation, continue de fasciner par sa dissection impitoyable de la scène artistique viennoise et de ses mécanismes d’auto-illusion.

  • L’œuvre, qui met en scène des personnages inspirés de figures réelles, a suscité un scandale judiciaire à sa sortie.
  • Le narrateur, un ancien ami revenu sur les lieux, observe avec dédain les rituels et les vanités du milieu artistique.
  • Le roman se caractérise par une forme unique, un long monologue ponctué de répétitions et de contre-discours, qui explore les thèmes de l’hypocrisie, de l’ambivalence et de l’auto-destruction.

Publié en 1984, Enregistrement de Thomas Bernhard a immédiatement fait l’effet d’une bombe. L’œuvre, qui dépeint sans concession le monde de l’art viennois, a rapidement donné lieu à une bataille juridique. Le compositeur Gerhard Lampersberg s’estimant reconnaissable dans le personnage de M. Auersberger, a intenté une action en justice pour injure, allégation d’homosexualité et transgression littéraire. Le roman a été interdit de vente, un événement rare qui n’a fait qu’accroître son aura de scandale.

Aujourd’hui, plus de quarante ans après sa publication, Enregistrement apparaît d’une lucidité saisissante. Bernhard ne décrit pas un cas isolé, mais une structure, un milieu clos où règnent la confirmation mutuelle et l’hypocrisie. Les questions qu’il pose – qui a le droit de juger ? Qu’est-ce que l’art, et qu’est-ce qui en est une simple imitation ? – restent d’une brûlante actualité.

Le roman prend la forme d’un long monologue tenu par un narrateur qui observe, depuis une position d’observateur détaché, une soirée chez les Auersberger, un couple d’artistes autrefois avant-gardistes, désormais prisonniers de leur propre monde. Le narrateur, un ancien ami revenu sur les lieux, dissèque avec une cruauté implacable les personnages présents, tout en s’auto-analysant sans complaisance. Il se moque de son passé, déconstruit la scène qui l’a façonné et, par la même occasion, son propre langage, qu’il perçoit comme artificiel et caricatural.

L’écriture de Bernhard est singulière. Loin d’un roman traditionnel, Enregistrement est une composition, un flux de conscience structuré par des pauses, des paragraphes et des répétitions. C’est une rhétorique de l’épuisement, une pensée qui s’use, qui se consume. Le narrateur maudit Vienne tout en avouant son amour pour elle, déteste les gens tout en reconnaissant leurs émotions, blasphème tout en s’exposant. Son jugement est sévère, mais jamais définitif. Ce qui ressemble à un règlement de comptes est aussi une auto-accusation.

Le véritable centre du roman n’est pas la société viennoise, mais le narrateur lui-même, celui qui est revenu, celui qui écrit pour tenter de comprendre ce qui ne peut plus être expliqué. L’entreprise littéraire qu’il mène est à la fois une dissection du monde extérieur et une auto-destruction. L’ambivalence est omniprésente : l’art est à la fois exagération et mensonge, l’observateur est à la fois spectateur et acteur du spectacle.

Ironie de la forme, le narrateur se réfugie sans cesse dans le même fauteuil au cours du texte, tandis que la langue, elle, se met en mouvement. Le fauteuil à oreilles devient un espace de réflexion, un lieu de stockage de la mémoire, l’épicentre d’une auto-négociation littéraire. Bernhard parvient à transformer l’immobilité de l’action en un mouvement de pensée, chaque phrase étant un coup porté à la surface, chaque insertion une réfraction, chaque répétition un retour dans le cycle de ses propres arguments.

Dans un monde où les discours sont consommés en temps réel et où l’excitation est souvent simulée, Enregistrement montre comment la littérature peut sonder les profondeurs de l’émotion, non pas comme une pose, mais comme une procédure, non pas comme une opinion, mais comme une forme.

À la fin du roman, le narrateur se rassied dans son fauteuil. L’acteur a parlé, les invités ont mangé, le poulet frit a été dévoré. Il ne reste qu’un texte qui ne tire aucune conclusion, un monologue qui ne se ménage pas, un roman qui révèle que la société n’est qu’une scène – et que personne ne quitte vraiment la salle où l’on s’indigne.

Enregistrement de Bernhard n’est pas une invitation, mais un miroir. Un miroir laid, précis et rythmé. Quiconque ose y regarder se reconnaîtra : lui-même, ou ce qu’il n’a jamais voulu être, ou les deux. Car, selon Bernhard, seul ce que nous aimons peut vraiment nous exciter, et seul ce qui nous passionne mérite d’être décrit.

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Divertissement

3 paroles de chansons des années 1980 que vous n’oublierez jamais

by Antoine Girard
written by Antoine Girard

Publié le 24 octobre 2024. La musique a un pouvoir unique sur notre mémoire, capable de nous faire revivre des souvenirs enfouis et de nous faire fredonner des mélodies oubliées depuis longtemps. Retour sur trois chansons emblématiques des années 1980 et 1990 qui témoignent de cette capacité à marquer les esprits.

  • Guns N’ Roses, avec leur album Appétit pour la destruction, ont laissé une empreinte indélébile sur le rock, mais leur succès a également été marqué par des tensions internes.
  • Les Beastie Boys ont révolutionné le paysage musical avec leur mélange unique de rap et de punk, devenant des icônes pour toute une génération.
  • Prince, avec son génie créatif, a marqué les esprits avec des titres aussi audacieux que psychédéliques, comme “Let’s Go Crazy”.

La capacité de la musique à stimuler la mémoire est bien connue. Il est fréquent de se souvenir aisément des paroles d’une chanson entendue il y a des décennies, alors que les informations étudiées pour un examen récent peuvent s’avérer plus difficiles à retenir. Ce phénomène s’explique par la manière dont la musique active différentes zones du cerveau, créant des associations mémorielles plus fortes.

“Sweet Child O’ Mine” de Guns N’ Roses (1987)

Peu de groupes de rock ont connu un début de carrière aussi prometteur que Guns N’ Roses. Avec la sortie de Appétit pour la destruction, le groupe a rapidement conquis le cœur des fans, mais les dissensions internes ont commencé à se faire sentir. Un à un, les membres ont quitté le groupe, ne laissant finalement que Axl Rose et une équipe de musiciens de session. Dans ce contexte, les paroles de “Sweet Child O’ Mine” résonnent avec une amère ironie : «Où allons-nous maintenant ?». Le groupe aurait pu suivre la voie des Sex Pistols, connaître un succès fulgurant avant de s’autodétruire. La perte de Steven Adler a été un premier coup dur, mais le départ d’Izzy Stradlin a véritablement précipité la fin du groupe. Quoi qu’il en soit, il est peu probable que vous oubliiez ce deuxième titre le plus célèbre du groupe.

“Fight For Your Right” des Beastie Boys (1986)

Produit par Rick Rubin, ce titre se situe à la frontière entre le rap et le rock. “Fight For Your Right”, comme beaucoup de morceaux de rap, est riche en paroles, mais il reste étonnamment facile à retenir. Pour beaucoup d’Américains ayant grandi dans les années 1980, cette chanson a été une première rencontre avec Ad-Rock, MCA et Mike D. Leurs parents la détestaient, ce qui n’a fait qu’augmenter son attrait. Bien que Run-DMC ait déjà marqué les esprits avec Raising Hell, le style des Beastie Boys était perçu comme beaucoup plus subversif. “Fight For Your Right” ne sonnait pas comme du rap rock, mais plutôt comme un groupe de rap punk, annonçant une série de chefs-d’œuvre à venir.

“Let’s Go Crazy” de Prince and The Revolution (1984)

Chéri… Il est rare qu’une chanson commence par un éloge funèbre, mais aucune ne le fait avec autant de panache que celle-ci. Prince rend hommage à « cette chose qu’on appelle la vie », avant de délivrer ce qui ressemble au riff de guitare le plus abouti que Jimi Hendrix n’ait jamais pu enregistrer. Mais les funérailles sont aussi des célébrations, et Prince appelle ici à la folie avant « de nous mettre dans le camion ». L’introduction est psychédélique. The Revolution ne s’est pas contenté de jouer un chant funèbre. C’est le morceau d’ouverture de Purple Rain, un album parfait, ponctué par les solos de guitare les plus emblématiques de Prince. « Let’s Go Crazy » anticipe la douleur de la perte, qui trouvera son expression dans le titre éponyme. En attendant, ne vous laissez pas abattre par l’ascenseur.

Photo par Ilpo Musto

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