Publié le 10 novembre 2025 20h33. La nouvelle interprétation du mythe de Frankenstein par Guillermo del Toro, disponible sur Netflix, se distingue par une transformation physique spectaculaire de l’acteur Jacob Elordi, fruit d’un travail minutieux de maquillage et de conception de costumes.
- Plus de 10 heures de maquillage et 42 prothèses ont été nécessaires chaque jour pour métamorphoser Jacob Elordi en la créature de Frankenstein.
- Le choix d’Elordi est venu après le désistement d’Andrew Garfield, et sa grande taille (1,96 mètre) a facilité le travail de l’équipe de maquillage.
- La vision de Guillermo del Toro s’éloigne des clichés visuels traditionnels pour se rapprocher de l’esprit sombre et romantique du roman original de Mary Shelley.
La transformation de Jacob Elordi en la créature emblématique de Frankenstein est au cœur de la nouvelle adaptation du classique littéraire signée Guillermo del Toro. Ce processus, qui a exigé un engagement artistique et technique considérable, a nécessité plus de 10 heures de maquillage quotidien et l’application méticuleuse de 42 prothèses, dont 14 concentrées au niveau de la tête et du cou. Un démaquillage tout aussi long, d’environ 90 minutes, était ensuite indispensable, complété par l’utilisation d’un sauna gonflable installé dans la loge de l’acteur.
Le choix de l’acteur pour incarner le monstre a été le fruit du hasard. Initialement, Andrew Garfield avait été sélectionné pour le rôle, aux côtés d’Oscar Isaac dans le rôle de Victor Frankenstein. Cependant, neuf semaines avant le début du tournage, Garfield a dû renoncer au projet en raison de contraintes d’emploi du temps. C’est alors que Jacob Elordi, avec sa stature imposante de 1,96 mètre, a été pressenti. Selon Mike Hill, chef du service effets prothétiques, la morphologie d’Elordi a offert à l’équipe une « toile fabuleuse ». Mais au-delà de l’aspect physique, Hill souligne l’apport essentiel de l’acteur sur le plan interprétatif :
« Il y a là une âme et une performance active. »
Mike Hill, chef du service effets prothétiques
La préparation d’Elordi s’est principalement déroulée dans le fauteuil de maquillage. Hill a reconnu que sans la patience de l’acteur, le résultat n’aurait pas été possible. La collaboration entre les équipes de maquillage et de costumes a été cruciale pour définir la durée et l’ampleur de chaque séance. Kate Hawley, responsable de la conception des costumes, explique que cette coordination déterminait si Elordi passerait cinq ou dix heures à se maquiller, en fonction des parties du corps exposées.
Loin de reproduire le costume noir et vert emblématique des précédentes adaptations, les costumes se sont inspirés de l’anatomie humaine et des références artistiques du XIXe siècle. Hawley cite l’influence du peintre Caravage pour obtenir une esthétique sombre et théâtrale, avec des tons rougeâtres et une peau évoquant à la fois la cire et l’anatomie. La création a débuté par des bandages et des contraintes en cuir, rappelant la figure du Christ, tout en tenant compte des exigences du tournage. Des matériaux comme le daim et le cuir ont été utilisés pour simuler une seconde peau, tandis que le manteau militaire, pièce maîtresse du costume, a été conçu comme une « autre peau écorchée », provenant d’un squelette tombé pendant la guerre de Crimée. Ce manteau, parfois si lourd qu’il nécessitait d’être transporté sur roues, intégrait des détails anatomiques comme une colonne vertébrale imprimée, en cohérence avec le travail de Hill sur les prothèses cutanées.
L’attention portée aux détails s’est également manifestée dans la conception de la coiffure de la créature. Hill a créé une perruque aux nuances allant du brun au blond blanc, évitant le noir de jais pour conserver une apparence plus naturelle et humaine. L’objectif était de faire ressembler la créature à un être réel, un « poignet fracturé » qui, au fur et à mesure de son évolution, s’humanise. Des versions spéciales du manteau ont également été prévues pour les scènes impliquant de l’eau, des explosifs et des interactions avec des animaux, comme les loups, en raison de leur sensibilité à la laine.
La vision de Guillermo del Toro s’éloigne délibérément des clichés visuels établis par le film de 1931 avec Boris Karloff. Hill et le réalisateur ont convenu que la créature classique ne correspondrait pas à cette nouvelle interprétation. Del Toro a affirmé dès le début qu’il n’y aurait pas de cicatrices ou de boulons dans le cou, cherchant une représentation plus fidèle à l’esprit du roman de Shelley et à l’atmosphère du XIXe siècle. Pour ce faire, Hill s’est appuyé sur des manuels d’anatomie de l’époque et des objets tels que des têtes de phrénologie, tandis que Hawley a intégré des références artistiques et littéraires dans la conception des vêtements.
L’atmosphère sur le plateau reflétait la nature collaborative du projet. Elordi, loin de s’isoler pendant les longues heures de maquillage, a partagé des moments avec l’équipe et son chien Laïla, qui, selon Hill, lui a apporté compagnie et réconfort pendant les jours les plus exigeants. L’interaction entre les départements de maquillage, de costumes et de réalisation a été essentielle pour maintenir la cohérence visuelle et symbolique de la créature tout au long du film.
L’impact visuel de la créature est particulièrement frappant dès la séquence d’ouverture, dans l’Arctique, où sa silhouette et ses vêtements contribuent à une atmosphère opératique et énigmatique. Hawley décrit l’effet des étincelles et des flammes à l’écran comme un « Phénix renaissant de ses cendres », soulignant la dimension symbolique de la transformation. Chaque élément, des coutures visibles de la peau à la superposition de couches dans les vêtements, renforce l’idée d’un être construit et marqué par la mémoire des autres corps et vies.
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