Le Watergate. Viêt Nam. Disco. La révolution iranienne. John « Bluto » Blutarsky
Oui, les années 1970 ont eu leur part d’horreurs, mais Hollywood nous a aidé en nous donnant de quoi rire.
Pas de règles. Aucun problème. Personne n’a saisi ses perles devant une blague coquine ou ne s’est inquiété des acteurs comiques qui « frappent ».
Les résultats? Certaines des meilleures comédies jamais réalisées, et nous commencerons par l’ultime aventure universitaire.
La maison des animaux (1978)
L’imprimatur du « National Lampoon’s » signifiait plus qu’un simple tic marketing. Les empreintes digitales de la marque sont partout dans la comédie de 1978, depuis les co-scénaristes Harold Ramis, Chris Miller et Douglas Kenney jusqu’à la star John Belushi.
Le décor est celui du début des années 1960, mais le style rauque du film est celui des années 70. Nous suivons toute la fraternité Delta Tau Chi alors qu’elle combat à la fois Dean Wormer (John Vernon) et la société polie.
Fêtes de toges ! « Louie Louie ! » Bataille de nourriture! Les scènes emblématiques abondent et beaucoup présentent la performance exceptionnelle de Belushi dans le rôle de « Bluto ».
Le réalisateur John Landis a gardé le chaos sous contrôle juste assez pour que cela ressemble à un vrai film.
La marque National Lampoon s’est avérée de courte durée dans les cinémas et une récente tentative de ressusciter est devenu la proie de s’être réveillé. La sensibilité comique a peut-être atteint son apogée avec « Animal House », un film qui Les souhaits de USA Today ne se sont jamais produits.
Nous n’aurions alors plus de répliques classiques comme celle-ci : « Gros, ivre et stupide, ce n’est pas une façon de vivre la vie, fils. »
Tourné à l’Université de l’Oregon, « Animal House » reste la référence en matière de comédies universitaires. On n’en fabrique pas beaucoup ces jours-ci. La pression culturelle empêche le genre de chaos classé R présenté dans la comédie classique. Et qui pourrait surpasser Belushi à son apogée ?
Landis a dit au jeune Belushi de chaîne Harpo Marx et le monstre cookie pour donner vie à Bluto. Le réalisateur a même associé ses dialogues pour laisser son brio comique rebondir sur l’écran.
Ça a marché.
Monty Python et le Saint Graal (1975)
Ce n’est jamais un jeu d’enfant de passer du petit au grand écran. Pour chaque Bruce Willis ou Clint Eastwood, il y a de nombreuses stars qui n’ont pas pu reproduire leur renommée télévisée.
Six Britanniques débauchés ont rendu les choses faciles dans les années 70.
Le premier long métrage des Monty Python montre pourquoi ils sont devenus une sensation culturelle. L’histoire, un récit déformé du roi Arthur et des chevaliers de la Table ronde, montre la troupe jouant plusieurs personnages dans un fil de plus en plus désarticulé.
Des lapins tueurs ? Des chevaliers sans membres ? Des cadavres qui ne sont pas encore tout à fait morts ? Tout est là, établissant le sextet comme des stars de cinéma de premier ordre et des experts en comédie physique.
Le budget modeste du film provient d’une source improbable. John Cleese a dit des géants du rock comme Jethro Tull, Pink Floyd et Led Zeppelin a aidé à financer la fonctionnalité.
Jeune Frankenstein (1974)
Peu de films sont aussi citables et aussi re-regardables que l’ode de Mel Brooks à la création de Mary Shelley.
Gene Wilder, Teri Garr, Marty Feldman, Madeline Kahn, Cloris Leachman et Peter Boyle sont les têtes d’affiche de cette satire parfaite capturée dans un noir et blanc glorieux.
Le Dr Frederic Frankenstein de Wilder (c’est STEEN, remarquez) découvre les notes scientifiques de son grand-père et ramène de l’au-delà un cadavre recousu. Dommage que ce cerveau « abbie normal » transforme le monstre de Boyle en une machine à tuer.
Ligne classique après ligne classique – « Quelle bosse ? » « Remettez la bougie… en place ! » souligner un hommage rempli de rires.
Le directeur de la photographie Gerald Hirschfeld, qui connaissait bien le cinéma en noir et blanc, a suggéré à Brooks racontez l’essentiel de l’histoire en couleur. Le géant de la comédie a tenu bon et Hirschfeld a finalement compris la sagesse de cette approche.
Les oursons des mauvaises nouvelles (1976)
Classez ce classique du baseball dans la catégorie « ils n’ont pas pu y arriver aujourd’hui ».
Walter Matthau incarne un ancien sportif amateur de bière qui gère à contrecœur une équipe de marginaux du baseball. Il est grincheux et froid, et il s’évanouit sur le monticule du lanceur en une seule séquence. Il boit également et conduit, parfois avec des enfants à sa remorque.
Vous voyez ce que nous voulons dire ?
Cet extérieur croustillant cache une âme ouverte qui accueille les préadolescents capricieux. Lentement. Et lorsque l’entraîneur recrute un lanceur garçon manqué (Tatum O’Neal) et un rebelle mauvais garçon (Jackie Earle Haley), cette équipe hétéroclite prend le pouls.
C’est l’histoire de retour ultime, une histoire pour enfants avec du tranchant, de l’humour et du cœur grâce au scénario de Bill Lancaster. (Oui, c’est le fils de Burt Lancaster)
Et ne nous lancez pas dans le langage grossier du film, aussi peu PC que possible.
C’est là qu’intervient le mojo des années 1970. Ce ne sont que des aspérités et des intrigues secondaires douces-amères, le tout menant à la finale exaltante du film.
Cela n’aurait peut-être pas été possible si les premiers choix de casting du film avaient été faits. Les producteurs initialement recherché Steve McQueen pour jouer le personnage de Matthau. Lorsque la légende du cinéma est décédée, Warren Beatty a fait le tour du projet mais a préféré bricoler un projet plus lourd, l’épopée historique « Reds ».
Selles flamboyantes (1974)
Mel Brooks a sorti non pas un mais DEUX classiques de la comédie en une seule année.
La légende de la comédie a tourné son regard satirique vers le western américain avec ce conte grivois, exemple ultime d’une comédie qui n’a pas pu être réalisé aujourd’hui.
Cleavon Little incarne un shérif noir chargé de défendre une ville contre des voyous désireux de s’emparer de leurs terres soudainement précieuses. Les habitants racistes le rejettent jusqu’à ce que lui et un copain ivre (Gene Wilder) les convainquent qu’ils sont le seul espoir qui leur reste.
Rien n’est interdit ici, de l’utilisation fréquente du mot n à la fameuse séquence de feu de camp et à un troisième acte qui brise le quatrième mur. C’est une attaque scandaleuse contre le racisme que seul Brooks pouvait concocter.
Il avait un consultant de premier plan.
Richard Pryor a aidé à naviguer dans les séquences les plus délicatesles deux géants de la comédie collaborent sur un projet rempli de moments mémorables.
« Chaque fois que je disais à Richard : « Puis-je utiliser le mot n ici ? il a dit : « Oui » », dit Brooks. «J’ai dit: ‘Richard, c’est un peu dangereux ici.’ Il a dit oui.'”
L’icône de la comédie a été finalisée, et le reste appartient à l’histoire du cinéma.
Le crétin (1979)
Steve Martin n’est pas né un enfant noir pauvre, mais ses débuts sur grand écran l’ont vu prononcer cette phrase extraite de son numéro de stand-up. Son Navin Johnson le sait à peine [bleep] de Shinola, mais il parvient quand même à devenir riche… pendant un moment.
La première collaboration de Martin avec le réalisateur Carl Reiner l’a propulsé au rang de célébrité sur grand écran, et il n’a jamais regardé en arrière. Les films Un budget de 6 millions de dollars a cédé la place à un box-office de 73 millions de dollars, prouvant que le truc curieux de Martin avait un attrait grand public.
La comédie classée R associait le matériel bleu au personnage innocent de Martin, une combinaison qui s’est avérée irrésistible. La renommée du film n’a fait que grandir à partir de là.
En 2015, Martin a réfléchi aux gags raciaux du filmsuggérant que la pureté du concept l’emporterait.
Toujours.
Je n’ai pas regardé The Jerk depuis longtemps. Mais avec le recul, tout le monde a été traité avec un tel respect, et nous avons eu cette fabuleuse ouverture avec Sonny Terry et Brownie McGhee chantant sur le porche, deux artistes de blues très connus. Vous pourriez avoir une sorte de réaction instinctive, mais il serait difficile d’obtenir un verdict au tribunal à ce sujet.
Annie Hall (1977)
La comédie de Woody Allen s’est révélée plus puissante que The Force.
Le chef-d’œuvre névrotique d’Allen a été acclamé par la critique et a remporté l’Oscar du meilleur film pour « Star Wars », un péché du Comic-Con qui ne sera jamais pardonné.
Le film reste un délice non expurgé, tour à tour tumultueux et nostalgique d’une manière que seul Allen pouvait évoquer. La garde-robe de Diane Keaton a secoué la culture, et son association récurrente avec Alvy Singer d’Allen s’est avérée romantique mais aigre.
Les rires sont grands – et aucun n’est plus grand que lorsque Christopher Walken est à l’écran.
Allen, son critique le plus sévère, était déçu des résultats. Il reste minoritaire.
Le New York Times, qui a qualifié « Annie Hall » de premier «comédie sérieuse,” a partagé les détails de plusieurs scènes qui n’ont pas fait partie du montage final du film. On a trouvé son personnage d’Alvy Singer jouant au basket avec les Knicks de New York.
Dormeur (1973)
Allen, encore une fois, se livre à son côté burlesque avec cette farce futuriste. Allen incarne un musicien qui subit une intervention médicale de routine et se réveille 200 ans plus tard après une sieste cryogénique.
C’est un étranger dans un pays très étrange, où l’Amérique est un État policier. Allen fait à nouveau équipe avec Diane Keaton, et le duo traverse des scénarios de plus en plus stupides.
Entrez dans l’Orgasmatron.
Roger Ebert a salué « Sleeper » dans sa critiqueajoutant que le film « établit Woody Allen comme le meilleur réalisateur et acteur de bande dessinée en Amérique ».
Jeu déloyal (1978)
Goldie Hawn et Chevy Chase n’ont réalisé que deux films ensemble, même s’ils partageaient une alchimie farfelue et merveilleuse et sortaient du parc ensemble.
Deux fois.
« Foul Play », la première collaboration, fusionnait romance et mystère avec une touche surréaliste. Hawn incarne un bibliothécaire qui se retrouve mêlé à un complot visant à assassiner le pape. Chase joue le rôle du policier qui tente de résoudre l’affaire tout en tombant sous le charme de Hawn.
Dudley Moore vole toute une partie du film en tant que lothario maladroit, mais ce sont les étincelles entre Hawn et Chase qui rendent le film si mémorable.
Chase a fait l’éloge des côtelettes de star de cinéma de Hawn dans une interview de 2022 revenant sur la carrière de sa co-star.
“Les meilleurs acteurs et actrices n’oublient pas qui ils sont en tant que personne et comment l’utiliser dans leur personnage”, déclare Chase, qui a également joué avec Hawn dans les années 1980 “On dirait du bon vieux temps”. «C’était Goldie. Je pensais qu’elle était brillante dans tout ce qu’elle faisait. Je n’ai jamais vu un spectacle qui n’était pas réel. Mais c’est aussi une femme intelligente et une femme sérieuse. Pas une blonde écervelée. Mais elle sait utiliser le « blond », donc c’est désarmant.
Recommencer (1979)
Burt Reynolds a mis sa marque Alpha Male de côté pour cette comédie intelligente et sexy sur un homme qui se remet d’un divorce. Il est utile d’avoir deux co-stars meurtrières (Jill Clayburgh et Candice Bergen) ainsi qu’un scénario de l’étoile montante James L. Brooks de la renommée de « Broadcast News ».
L’horrible chant de Bergen de « Better Than Ever », l’une des nombreuses chansons écrites par Marvin Hamlisch et Carole Bayer Sager pour le film, offre un point culminant joyeux. Ce sont les petits moments de douleur et de résilience qui s’enregistrent le plus, capturés par une superstar du type opposé.
Chasse au trésor (1979)
Un groupe de stars de la liste B, de James Coco à Richard Mulligan, se battent pour la fortune d’un vieil homme dans cette aventure idiote et contagieuse. Les acteurs profonds, qui s’amusent clairement, forment des équipes de duel pour terminer la “Chasse” titulaire.
Il est difficile de se tromper avec Roddy McDowall, Richard Benjamin, Cloris Leachman, Ruth Gordon et Tony Randall.
Dites cela à la plupart des critiques de cinéma qui se sont accumulés sur le film sans équivoque. Vu aujourd’hui, c’est une alouette pelucheuse avec des personnages colorés, un gadget à ne pas manquer et suffisamment de sourires pour traverser les moments difficiles.
Bonne chance pour le trouver, cependant. Le film n’est disponible sur aucune plateforme de streaming. La sortie tardive du Blu-ray 2017 est votre meilleur et unique pari.
Joue-le encore, Sam (1972)
“Bananas” et “Love and Death” d’Allen auraient pu figurer sur la liste, mais complétons cette trilogie HiT Allen avec un film méconnu de son canon.
Allen a confié les rênes de la réalisation au vétéran Herbert Ross (« The Goodbye Girl ») pour un film qui ne manquera pas de donner le vertige aux cinéphiles. Allen incarne un critique de cinéma obsédé par « Casablanca ». Il est seul et cherche l’amour, alors lorsqu’il rencontre la séduisante Linda (Diane Keaton), il invoque l’esprit d’Humphrey Bogart pour lui donner des conseils romantiques.
Mauvaise idée. De grands rires.
Basé sur la pièce d’Allen de 1969 à Broadway, « Sam » est rarement vérifié lors de l’appel d’Allen, mais cela reste un régal singulier.
Willy Wonka et la chocolaterie (1971)
Ce n’est bien sûr pas une pure comédie. À la fois expérience musicale et surréaliste, l’adaptation de Roald Dahl est une merveille car elle ne rentre pas dans une boîte bien rangée. Cela, ajouté au tour délirant et drôle de Gene Wilder dans le rôle du chocolatier, fait de « Wonka » un véritable classique du cinéma.
Il est ancré dans la culture américaine comme peu de films avant ou depuis. La tentative de Johnny Depp de se glisser dans la peau de Wilder a donné lieu à un remake effrayant, quoique intéressant.
Graffiti américain (1973)
Voitures rapides. Belle femme. Des adolescents socialement maladroits à l’aube de l’âge adulte.
Il est facile d’oublier que M. « Star Wars » lui-même, George Lucas, a débouché cette ode touchante à la culture automobile dans les années 1960. Il a même décroché une nomination à l’Oscar du meilleur film.
C’est le précurseur de l’univers partagé « Happy Days »/« Laverne & Shirley », et le casting comprend un who’s who des futures stars : Ron Howard, Harrison Ford, Suzanne Somers et Richard Dreyfuss.
Et nous devons remercier Francis Ford Coppola pour cela.
Le gourou du « Parrain » a produit le filmlui donnant la gravité hollywoodienne nécessaire pour faire de la vision de Lucas une réalité.
