Pour plus d’une douzaine d’artistes locaux impliqués dans deux expositions collectives, restaurer le monde naturel est plus qu’un exercice artistique. Il s’agit d’un impératif moral qui conduit certains, au-delà de la description, à l’action.
Les représentations de la nature dominent « Moving Beyond Beauty: Reverence and Reclamation » au McLean Project for the Arts, mais les matériaux sont souvent aussi importants que l’imagerie. Les peintures-collages de Jacqui Crocetta, qui suggèrent des vues rapprochées de bois et de champs, sont réalisées à partir de points de peinture et de restes de plastique à usage unique échoués sur les plages. Maggie Gourlay, dont les sujets incluent les plantes envahissantes, utilise des sérigraphies recyclées pour construire des anneaux de croissance d’arbres simulés en 3D.
Le sujet et la surface fusionnent presque dans le quatuor élémentaire de paysages inquiétants que June Linowitz peint sur tissu. Sa « Planète en eau en péril » représente une inondation qui inonde les maisons et semble s’écouler au-delà du cadre via des rubans bleus et verts qui pendent sous l’image. Une unité similaire d’image et de matériau caractérise les rendus semi-abstraits d’arbres et de rochers sur papier d’artiste d’Elzbieta Sikorska et les images à motifs de feuillage d’Adjoa Jackson Burrowes, dont l’une est enroulée dans une sculpture en forme de cône.
L’œuvre qui relie le plus étroitement « Moving Beyond Beauty » à l’exposition de sculptures de l’Athenaeum « A Delicate Balance » est « Deluge » de Crocetta, qui recycle également le plastique à usage unique. Des feuilles suspendues et des dosettes de films peints en bleu semblent menacer une forme en forme de bateau suspendue au milieu d’eux. La grande installation est liée à la fois, dans sa substance thématique et littérale, à l’œuvre d’Athenaeum de Lisa Rosenstein, « Flow », une cascade de plastique transparent déchiqueté.
L’exposition Athenaeum « explore l’idée de parvenir à l’équilibre », selon le communiqué de la galerie. Les choix de la conservatrice Jackie Hoysted en incluent plusieurs qui sont ludiques : la créature à plumes de David Mordini avec des pattes de poulet imprimées en 3D et une tête de bébé translucide de dessin animé ; les miniatures colorées d’Akemi Maegawa, constituées en grande partie de grès, de papier et de tissu et disposées comme de minuscules pâtisseries ; et l’engin interactif de Steve Wanna, qui utilise le son ambiant pour faire trembler l’eau dans des casseroles en acrylique transparent.
La sculpture de Rosenstein n’est que l’une des quatre sculptures qui expriment l’équilibre en suspendant des objets dans les airs. Sookkyung Park pend un nuage de ronds de papier cousus ensemble, et Shanthi Chandrasekar accroche des chaînes de disques en treillis métallique dont la taille diminue comme pour visualiser des sons atténués. Ceci Cole McInturff utilise de la matière organique, qui, selon sa déclaration, « peut être interprétée comme porteuse d’espoir », dans son assemblage, mais avec une touche d’originalité. Les brins qu’elle accroche comme des vignes à une branche courbée sont en réalité du crin de cheval.
Les objets les plus fonctionnels de l’exposition sont montés en haut du mur, un trio de maisons pour chauves-souris réalisées par Evie Altman avec l’aide de Marxe Orbach en matière de conception. Construits en bois recyclé et peints d’illustrations de trois espèces différentes de chauves-souris, ces abris potentiels pour animaux menacés illustrent l’espoir d’un renouveau environnemental.
Aller au-delà de la beauté : révérence et récupération jusqu’au 17 février au McLean Project for the Arts, 1234 Ingleside Ave., McLean. mpaart.org. 703-790-1953.
Un équilibre délicat jusqu’au 18 février à l’Athenaeum, 201 Prince St., Alexandria. nvfaa.org. 703-548-0035.
Parmi les œuvres exposées à la Galerie d’art MEI, « Yellow & Blue » de Marwa Al Khalifa pourrait sembler représenter le mieux le titre de l’exposition actuelle, « La mer de la vie : art moderne et contemporain du Royaume de Bahreïn ». Mais les formes terrestres de l’artiste baignées par des étendues de bleu sont en réalité abstraites de photographies de feuilles flottant à la surface d’une piscine. La pièce suggère, mais ne représente pas littéralement, la nation insulaire dont le nom peut être traduit par « deux mers ».
Historiquement, les sources d’eau douce ont été aussi importantes pour Bahreïn que l’océan, mais elles disparaissent ou deviennent saumâtres. Jaafar Al Oraibi y fait allusion en incorporant du vrai sel dans un dessin en noir et blanc représentant un lac saumâtre. La photo aquatique d’un nageur immergé prise par Mashael Alsaie fait allusion à la mythologie locale d’une femme transformée en source – une source qui, en réalité, s’est tarie dans les années 1980. Le solide semble également devenir liquide dans l’élégante sculpture en verre de Jamal AlYousif composée de trois visages, l’un isolé et les deux autres fusionnant comme des ruisseaux convergents.
Pointu. Spirituel. Réfléchi. Inscrivez-vous à la newsletter Style Memo.
La tradition est à la base du modernisme dans « This Is Your Name » d’Abbas Yousif, en techniques mixtes, qui s’inspire de la calligraphie arabe, et dans « Roots », une peinture néo-primitiviste de Nasser Al Yousif. Mais il existe également des rendus stylisés du Bahreïn contemporain, notamment le modèle 3D de Rashid Al Khalifa, à la manière de Sol Lewitt, composé de cadres architecturaux imbriqués et la peinture d’Abdul Karim Al-Orrayed représentant la grille urbaine de l’île. Les fonds des blocs aux mailles serrées passent du jaune au bleu, évoquant à la fois la mer et le sable.
La mer de la vie : art moderne et contemporain du Royaume de Bahreïn Jusqu’au 26 mars à la MEI Art Gallery, 1763 N St. NW. mei.edu/art-gallery. 202-785-1141.
Parmi les images familières de « You Can’t Unring the Bell » de Terence Nicholson figurent des images de devantures de magasins, dérivées de photos, situées à quelques pas de la galerie Honfleur, où se déroule l’exposition. Mais la perspective de Nicholson n’est pas seulement locale. L’artiste et musicien résidait de longue date à Anacostia, mais il est maintenant basé à Baltimore tout en continuant à travailler comme spécialiste des expositions dans les musées de Washington DC. C’est également un adepte des arts martiaux chinois qui se décrit comme un adepte de la pensée taoïste.
Cette tradition offre à Nicholson un prisme philosophique à travers lequel considérer son art essentiellement autobiographique. La pièce maîtresse de cette exposition est un portrait symbolique de sa mère, construit à partir d’objets trouvés. “Notre-Dame de la Servitude Perpétuelle” est un hybride de créature de film d’horreur et de saint catholique, tous noirs à l’exception d’une profusion de tétons en plastique beige.
Le bouleversement de la gentrification est un thème de nombreuses œuvres, qui comprennent des peintures et des collages ainsi que des assemblages 3D. Pourtant, comme l’indique le titre de la série, Nicholson ne se laisse pas aller au regret ou au ressentiment. “One Blood” fixe soigneusement 65 petits boutons coulés en résine, chacun contenant un petit objet à l’intérieur, sur une vieille porte sur laquelle est inscrit un mantra : “tout ce que je suis, tu l’es”. Dans la rue nouvellement renommée en l’honneur de l’ancienne maire de Washington DC, Marion Barry, figure de division, Nicholson offre une vision d’affinité universelle.
Terence Nicholson : Vous ne pouvez pas déverrouiller la cloche jusqu’au 2 février à la galerie Honfleur, 1241 Marion Barry Ave. SE. honfleurgallerydc.com. (202) 631-6291.
