Amy Adams joue dans une mise en scène sensible de The Glass Menagerie

La verrerie

Duke of York’s Theatre, Londres

“Le futur devient le présent, le présent le passé, et le passé se transforme en regret éternel si vous ne le planifiez pas !” pleure Amy Adams dans le rôle d’Amanda Wingfield dans la nouvelle production de Jeremy Herrin La verrerie.

Ce regret s’infiltre dans chaque scène du chef-d’œuvre déchirant de Tennessee Williams : le regret d’Amanda d’avoir fait un mauvais mariage ; Tom est à abandonner son frère fragile et sa mère agitée; surtout celle du dramaturge, hanté toute sa vie par la main cruelle que la vie avait tendue à sa délicate sœur.

Herrin établit clairement ce lien: plutôt que d’avoir un acteur jouant à la fois le Tom plus âgé et le plus jeune, il partage le rôle. Ici, Paul Hilton est l’homme le plus âgé – un mélange de personnage et d’auteur – présentant ce drame semi-autobiographique sur la vie dans les années 1930 à St Louis et planant sur les bords de l’œuvre qu’il a évoquée à partir de ses souvenirs troublés.

Cette approche nous rappelle que ce qui est considéré comme une pièce de mémoire est aussi bien plus que cela : il y a des rencontres dont Tom ne pouvait pas se souvenir, n’y ayant pas participé. C’est en partie un jeu sur la mémoire – la façon dont elle ensorcelle, détruit, soutient – et sur la cruelle disparité entre les rêves et la réalité. Alors si la culpabilité de Tom façonne ses souvenirs de l’époque, la pièce devient aussi un acte de compréhension dans la mise en scène d’Herrin alors qu’un immense écran vidéo diffuse des images floues du père absent ou des animaux de verre de Laura, magnifiant les mondes intérieurs des deux femmes.

Il y a donc beaucoup de compassion dans ces souvenirs. La discrète Amanda d’Adams n’est pas un monstre autoritaire, mais une femme abandonnée qui a élevé seule deux enfants et qui est maintenant paniquée par les difficultés potentielles auxquelles ils sont confrontés. Mal armée pour les comprendre, elle s’en occupe comme s’il s’agissait de nourrissons. C’est une performance discrète qui attire la sympathie pour une femme hors de sa profondeur.

Le jeune Tom de Tom Glynn-Carney est agité et misérable, tiraillé entre l’affection et son désir d’évasion, et la Laura de Lizzie Annis est superbe : une rêveuse fragile et anxieuse fondamentalement inadaptée au monde qui l’entoure. Alors qu’elle parle à Jim, “gentleman caller”, de ses animaux de verre, elle s’illumine et nous voyons soudain qui elle pourrait être. C’est la tragédie ici, et le beau Jim de Victor Alli nous montre un homme réalisant trop tard à quel point il est dangereux d’apporter une chaleur désinvolte dans cette situation délicate.

Tout cela est sensible et réfléchi. Et encore. La retenue semble freiner ce grand jeu. Il se sent en sourdine, agité et plutôt à l’étroit. L’action se déroule sur une plate-forme, au centre de la scène, entourée d’accessoires et d’accessoires et éclipsée par l’écran vidéo. Ce cadrage pourrait mettre l’accent sur l’acte de création au cœur de la pièce, mais il semble trop littéral. Cela contraint l’espace d’action, ce qui rend difficile la respiration des scènes individuelles ou la création d’un élan émotionnel. La verrerie devrait vous briser. C’est une mise en scène qui évite le mélodrame – mais c’est aussi une mise en scène qui ne vous brise pas le cœur.

★★★☆☆

Au 27 août, thedukeofyorks.com

La revanche d’une blonde

Théâtre en plein air, Regent’s Park, Londres

Vous avez peut-être chanté, vous avez peut-être sauté, mais avez-vous déjà essayé de chanter en sautillant – et pas seulement dans votre propre cuisine, mais sur une grande scène londonienne ? C’est l’exploit réussi par Lauren Drew dans La revanche d’une blonde à l’Open Air Theatre de Londres. Son numéro à couper le souffle “Whipped Into Shape” – livré en sautant à la corde à une vitesse fulgurante – n’est qu’un des nombreux moments optimistes qui font la nouvelle mise en scène de Lucy Moss de la comédie musicale de 2007, par Laurence O’Keefe, Nell Benjamin et Heather Hach, flamboient sur scène, réchauffant même les soirées de printemps anglaises les plus fraîches.

En surface, la subtilité n’est pas au menu. L’histoire de la douce fêtarde blonde Elle Woods, qui poursuit son petit ami à la faculté de droit de Harvard et y découvre son propre esprit juridique aiguisé, a été rendue célèbre par le film comique de 2001 avec Reese Witherspoon. Ici, il arrive dans une débauche de rose vif, avec les amis d’Elle faisant écho à la fois à sa palette de garde-robe et à son comportement pétillant alors qu’ils tournent autour de la scène en chœur du numéro d’ouverture “Omigod You Guys” dans diverses nuances de cerise, rose et fuchsia.

Mais derrière l’aspect ludique, il se passe quelque chose de plus profond. La revanche d’une blonde est une histoire de renversement d’hypothèses et de preuve de votre appartenance. Ici, Moss intègre cela dans sa production : le casting célèbre la diversité, mené de front par Courtney Bowman, qui se décrit comme afro-européenne, comme Elle.

Bowman s’approprie le rôle : elle y apporte une voix riche et puissante et dès le départ, ce n’est pas une petite blonde, mais une jeune femme intelligente, impertinente et charismatique qui est enfermée dans des attentes. Elle est bien assortie à Michael Ahomka-Lindsay, doux et concerné comme son camarade Emmett et celui qui voit le premier son potentiel. Pendant ce temps, il y a une performance époustouflante de Nadine Higgin dans le rôle de Paulette, l’esthéticienne, dont la voix envolée doit sûrement atteindre les avions qui passent.

Les chansons ne sont pas des objets de collection ; l’ensemble, frangé de blond, est plutôt maladroit et peu engageant ; il y a des moments où l’énergie semble trop insistante, comme si le spectacle essayait de vous convaincre que c’est amusant. Malgré tout, il s’agit d’un tourbillon d’une production qui insuffle une nouvelle vie positive à une histoire populaire et la livre avec un scintillement espiègle et une irrésistible générosité d’esprit.

★★★★☆

Au 2 juillet, openairtheatre.com

Henri VIII

Globe de Shakespeare, Londres

C’est le violet, plutôt que le rose, qui régit la palette de couleurs de la nouvelle mise en scène d’Amy Hodge de Henri VIII, pièce d’histoire tardive de Shakespeare écrite avec John Fletcher. Rarement mis en scène, c’est une affaire délicate racontant l’histoire de la chute du cardinal Wolsey et du passage d’Henry de sa première épouse Katharine à son successeur Anne. Les costumes de Georgia Lowe habillent la cour d’une gamme révélatrice de violets, de mauves et de lilas, gradués pour s’adapter au caractère du porteur. Henry enfantin, pétulant et vicieux d’Adam Gillen porte des tenues flashy et irisées et un manteau plusieurs tailles trop grand; La belle, digne et lésée Katharine de Bea Segura a une robe violette plus foncée et plus subtile.

Hodge aborde cette pièce rigide et pleine de reconstitution historique d’un point de vue féminin, avec la dramaturge Hannah Khalil coupant et filetant l’original et mettant les femmes au premier plan. Katharine de Segura est de loin le personnage le plus sympathique sur scène, alliant poignant et intégrité, sa sincérité une honte honteuse à toutes les manœuvres qui se déroulent autour d’elle. Anne Bullen de Janet Etuk apparaît comme une jeune femme intelligente essayant de naviguer dans des eaux incertaines et Khalil fait de la princesse Mary (Natasha Cottriall) une présence parlée en lui donnant des passages d’autres pièces pour exprimer ses sentiments.

Les hommes, pendant ce temps, complotent et se chamaillent. Nous voyons Henry de Gillen assis sur des toilettes dorées, gambader avec un énorme phallus doré et poignarder les ballons roses qui annoncent l’arrivée d’une petite fille. Le débauché et pompeux Wolsey de Jamie Ballard est à son plus humain lorsqu’il est, littéralement, dépouillé de son pouvoir, enlevant sa robe rouge cardinale pour être laissé en sous-short beige.

Mais malgré tout le changement d’orientation et les images de scène vives et impétueuses, la pièce prend rarement vie. Il y a une raison pour laquelle il n’est pas souvent joué et cette approche iconoclaste ne le rend pas plus texturé ou émouvant. Peut-être qu’une pièce complètement nouvelle répondant à l’original aurait mieux fonctionné.

★★☆☆☆

Au 21 octobre, shakespearesglobe.com