Publié le 1er octobre 2025 à 18h13. La 36e Biennale de São Paulo, ouverte jusqu’au 11 janvier 2026, explore les voies de la résilience et de la solidarité face aux crises contemporaines, en s’inspirant des migrations des oiseaux pour repenser les frontières culturelles et géopolitiques.
- La biennale rassemble les œuvres de plus de 120 artistes sous le thème « Nem Todo Viandante Anda Estradas / Da Humanidade Como Prática » (Pas tous les voyageurs empruntent les routes / L’humanité comme pratique).
- L’exposition est structurée autour de six chapitres thématiques inspirés par la poétesse afro-brésilienne Conceição Evaristo.
- La sélection des artistes s’éloigne des catégories nationales traditionnelles, privilégiant une approche métaphorique basée sur les itinéraires migratoires des oiseaux.
Dans un contexte mondial marqué par les incertitudes économiques, les tensions géopolitiques et les catastrophes écologiques, la 36e Biennale de São Paulo propose une réflexion sur la nécessité de repenser notre rapport au monde et à l’autre. L’exposition, qui se tient au pavillon Ciccillo Matarazzo dans le parc d’Ibirapuera, se veut un espace de dialogue et d’échange autour des enjeux cruciaux de notre époque.
Organisée par le commissaire camerounais Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, avec une équipe conceptuelle comprenant Alya Sebti, Anna Roberta Goetz, Thiago de Paula Souza, Keyna Eleison et Henriette Gallus, la biennale s’articule autour d’un verset du poète afro-brésilien Conceição Evaristo. Cette référence souligne l’importance accordée aux liens entre le Brésil et la diaspora afro-atlantique, tout en ouvrant l’exposition à une diversité de perspectives et de cultures.
La commissaire Anna Roberta Goetz a expliqué que la décision de concevoir la sélection des artistes comme des « voies d’oiseaux migrateurs » visait à s’affranchir de la pensée en termes de pays et à explorer des connexions inattendues. « Comme eux, nous portons des souvenirs, des langues et des expériences », a-t-elle déclaré lors de la conférence de presse, décrivant cette méthodologie comme une invitation à la déconstruction des frontières.
L’entrée du pavillon est marquée par une installation monumentale de Theresah Ankomah (Accra, Ghana), constituée de bandes tressées multicolores. Tel un rideau communautaire, elle recouvre entièrement le bâtiment moderniste conçu par Oscar Niemeyer. À l’intérieur, les commissaires ont privilégié la lumière naturelle et les structures originales de Niemeyer, limitant au maximum les interventions architecturales.
De nombreux artistes ont choisi de travailler avec des matériaux de récupération – bouchons de bouteille en plastique, claviers d’ordinateur, boîtes d’allumettes, chiffons – qui révèlent des routes commerciales, des écologies et de nouvelles formes de colonialisme, selon Anna Roberta Goetz. L’œuvre de l’artiste brésilien Moisés Patrício, praticien de Candomblé, qui enveloppe des objets liturgiques de liens capillaires colorés, en est un exemple frappant. Sa série brasileiro dénonce l’effacement symbolique de la culture noire dans l’espace public et propose une réparation par le biais des savoirs ancestraux.
Au rez-de-chaussée, le jardin immersif de Précieux Okoyomon, artiste queer nigérian, invite à la contemplation. Soleil de conscience. Dieu souffle à travers moi – l’amour me brise (2025) est un paysage vivant composé de plantes médicinales, de canne à sucre et d’arbres fleuris, qui invite à ralentir et à s’ouvrir à d’autres rythmes de vie.
L’artiste allemand Wolfgang Tillmans présente une nouvelle installation vidéo qui entremêle des fragments du quotidien – boue collée à une botte, dossiers dans une armoire, feuilles mortes – avec un paysage sonore composé de bruits urbains, de chants d’oiseaux et de rythmes électroniques. Cette œuvre explore la manière dont nous consommons et partageons les images à l’ère numérique.
Le sculpteur zimbabwéen Moffat Takadiwa transforme les déchets post-consommation en textiles sculpturaux qui critiquent le consumérisme, le racisme et la dégradation de l’environnement. Pour la biennale de São Paulo, il a créé une arche textile monumentale à partir de plastiques et de métaux jetés, enveloppant les visiteurs dans un portail vers un futur fondé sur Ubuntu, la philosophie africaine de la redistribution, de la coopération et de l’interdépendance. Ces formes totémiques, évoquant des micro-organismes, transforment les matériaux disparates en symboles de résistance et de renouveau.
Conçue comme un réseau horizontal de temps et de géographies, la biennale insiste sur la nécessité de pratiquer l’humanité dans un monde marqué par les migrations et les inégalités. « Être humain, c’est embrasser la compassion, la générosité, la résilience et l’hospitalité », a déclaré Ndikung, citant le poète persan Rumi.
En quittant la biennale, les visiteurs sont invités à se photographier devant Emprunter la lumière (2025) de l’artiste chinois Song Dong, une pièce miroir inspirée des attractions foraines qui multiplie les réflexions à l’infini. Au-delà de l’aspect ludique, cette œuvre rappelle que chaque rencontre est un acte de communauté et que les connexions humaines sont illimitées.