Avec une mise en scène intrigante, Inside de Vasilis Katsoupis présente une performance captivante de Willem Dafoe en tant que voleur d’art piégé dans le penthouse d’un milliardaire. Cependant, son utilisation floue de l’espace, de l’intrigue et du thème le rend généralement ennuyeux jusqu’à ce qu’il finisse par disparaître au lieu d’offrir une fin perceptible, sans parler d’une fin cathartique. Tout ce qu’il espère dire sur le sens de l’art et du matérialisme, il le dit par jets dispersés qui s’additionnent rarement pour former un tout satisfaisant. Il aborde son histoire de survie à un endroit de la même manière, conduisant à des résultats similaires.
Situé dans un gratte-ciel de New York, Inside présente Dafoe dans le rôle de Nemo, un membre d’une équipe de cambriolage autrement invisible, et un personnage dont la voix off d’ouverture fait allusion à son amour éternel pour la peinture. Cela lui donne quelque chose d’un lien personnel, du moins en théorie, avec les nombreuses œuvres d’art qu’il a été envoyé pour voler, quand – avec l’aide de ses acolytes sur talkies-walkies – il s’introduit par effraction dans un immense appartement de luxe alors que son hautain propriétaire est à l’étranger. pour plusieurs mois. Les choses tournent mal et Nemo est incapable de sortir du penthouse ou d’appeler à l’aide, le laissant piégé dans une prison de haute technologie qui commence lentement à lui faire défaut.
Katsoupis et le scénariste Ben Hopkins sont habiles à mettre en place des obstacles physiques, tout comme Dafoe est excellent pour dépeindre une gêne subtile qui finit par se transformer en désespoir plus il reste à l’intérieur. La nourriture et l’eau sont limitées, et Nemo doit faire face à l’absurdité de “Macaréna» hurlant dans les haut-parleurs chaque fois qu’il ouvre le réfrigérateur peu approvisionné – l’un des rares gags comiques efficaces.
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Cependant, une fois que Inside a établi sa feuille de route des obstacles potentiels, de la diminution des fournitures et de la plomberie cassée à un thermostat en panne, il revient rarement sur l’un de ces problèmes en tant que problèmes persistants. Au lieu de cela, le montage (par Lambis Haralambidis) les traite simplement comme des bribes d’informations – le genre dont vous pourriez vous souvenir et vous interroger une fois qu’ils ont été hors écran pendant de longues périodes – plutôt que comme des éléments évolutifs de l’environnement confiné de Nemo. La structure de l’intérieur est presque trop mécanique pour laisser un impact durable ; des obstacles dramatiques, comme le manque d’installations sanitaires ou d’hygiène dentaire adéquates, sont clairement définis, mais l’idée de “récompense” d’Inside signifie simplement un seul coup pour nous mettre au courant de ces problèmes une fois le temps écoulé. Il a peu de sens de continuité entre les deux, ce qui en fait moins une histoire en cours et plus une liste de contrôle.
Le passage du temps dans Inside est une autre bizarrerie. Bien qu’il ne soit pas clair combien de temps Nemo passe dans cet appartement – les saisons changent suffisamment à l’extérieur de la fenêtre pour qu’il y ait probablement plusieurs mois – on se soucie peu de ce que le temps ressent réellement pour son protagoniste, et de la façon dont il s’étire ou se contracte de son point de vue. C’est simplement un autre élément de scénario logistique qui se déroule en arrière-plan plutôt que quelque chose vécu à travers les yeux humains, ou à travers son impact sur la forme humaine. La performance de Dafoe est physiquement laborieuse et émotionnellement introspective alors que Nemo est poussé plus loin dans l’isolement. Cependant, peu d’éléments cinématographiques complètent son travail.
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Il est difficile de ne pas penser à Inside comme un film de confinement pandémique dans l’esprit, destiné à refléter les frustrations familières et les sentiments d’isolement; Nemo trouve même du réconfort dans l’observation des gens, en se connectant aux images de sécurité en direct des personnes tout autour du bâtiment. Cependant, la caméra du directeur de la photographie Steve Annis travaille rarement en tandem avec l’espace pour améliorer les émotions de Nemo ou son expérience physique. Le penthouse est rarement inconfortable ; il n’est tourné ni de manière claustrophobe, comme si ses murs se refermaient, ni comme si son vide était vraiment vaste.
Le paysage sonore renforce, à l’occasion, l’idée que Nemo pourrait lentement perdre la raison, mais la conception de cette idée par Katsoupis et Hopkins ne se concrétise jamais au-delà d’images fantasmagoriques éphémères. Nous voyons les effets extérieurs, mais nous n’avons jamais le droit d’avoir une fenêtre sur la psychologie de Nemo ; nous voyons le “quoi” de ses visions fracturées, mais Inside se préoccupe rarement de les présenter d’une manière qui suggère un “pourquoi”. La voix off fréquente de Dafoe (et même ses lignes parlées, à personne en particulier) fait souvent allusion à des pensées dispersées sur l’art moderne, à la fois en tant que symboles de statut et choses auxquelles les gens peuvent être personnellement chers. En fait, l’une des peintures que Nemo est envoyé pour voler se trouve être un autoportrait coûteux, qui chevauche intrinsèquement les lignes entre ces deux perspectives. Cependant, cette tension ne vient jamais au premier plan, peu importe combien de temps Nemo passe à regarder et à considérer l’art qui l’entoure – ou à créer le sien, que ce soit sous la forme d’un rituel alors qu’il se glisse dans une existence plus primitive, ou en réaffectant des meubles pour construire énormes structures dans l’espoir d’atteindre un évent dans le plafond.
Malgré de nombreuses peintures et sculptures dispersées dans son espace, et malgré son caractère faisant souvent allusion à des pensées et des sentiments artistiques plus profonds, Inside a peu ou pas de perspective sur l’art moderne. Et pourtant, il passe tellement de ses 105 minutes d’exécution à ruminer sur le sujet qu’il laisse peu de place pour établir l’urgence de la situation de Nemo au fur et à mesure qu’il avance.
Cela peut rappeler d’autres films au concept similaire, comme le drame de survie en pleine nature de Danny Boyle 127 Hours, ou plus pertinemment, Trapped de Vikramaditya Motwane, un thriller indien de 2017 mettant également en scène un personnage coincé dans un appartement de grande hauteur. Mais ces comparaisons semblent presque injustes, puisque Boyle et Motwane établissent rapidement et efficacement un équilibre entre les personnages eux-mêmes et les enjeux de leurs situations respectives. Katsoupis, en revanche, a du mal à enchaîner visuellement la poignée d’idées qui composent le scénario déjà dispersé de Hopkins, produisant une histoire qui cède sous le poids de sa fin faussement profonde, qui manque non seulement d’élan, mais de sens. Le résultat est un film que vous pourriez raconter ou rééditer dans pratiquement n’importe quel ordre, mais quoi qu’il arrive, ce serait tout aussi clair.
