“Cafard” est l’une des meilleures nouvelles pièces de la saison

Cafard

De Ho Ka Kei (Jeff Ho), réalisé par Mike Payette. Jusqu’au 9 octobre au Tarragon Theatre, 30 Bridgman Ave. tarragontheatre.com ou 416-531-1827

Scintillant d’un langage riche, de personnages colorés et d’un humour incisif, “Cockroach”, la dernière pièce du célèbre artiste de théâtre Ho Ka Kei (Jeff Ho), est une exploration introspective de la survie, de l’identité et de la migration.

Sa première mondiale au Tarragon Theatre, habilement dirigée par le directeur artistique Mike Payette et soutenue par un trio de performances incendiaires, est de loin l’une des nouvelles productions les plus fortes de l’année.

Les histoires d’immigrants sur le passage à l’âge adulte sur les scènes canadiennes sont à peu près aussi abondantes que les nouveaux condos à Toronto – cette saison seulement, vous n’avez pas besoin de chercher plus loin que “Dixon Road” et le hit “9428” du Fringe de Toronto, tous deux fantastiques – mais Ho habilement brise le moule de ces contes souvent racontés en traversant un terrain rarement vu au théâtre.

Peut-être que le mot qui se rapproche le plus de la caractérisation de la pièce mercurielle et changeante de Ho est “choréopoème”, un terme inventé par le dramaturge et poète américain Ntozake Shange pour décrire sa première œuvre, “pour les filles de couleur qui ont envisagé le suicide / quand l’arc-en-ciel est enf .”

Ce que « Cockroach » et « for coloured girls » partagent, c’est la façon dont le texte et le mouvement, l’auditif et le visuel, sont fusionnés pour créer une expérience cérébrale et hors du corps.

La procédure est construite autour d’un récit lâche de trois personnages apparemment disparates : un cafard astucieux (Steven Hao) ; un barde, ou plutôt l’esprit de William Shakespeare (Karl Ang) ; et un garçon (Anton Ling) traitant un événement traumatisant.

C’est ambigu, au début, comment les trois personnages sont liés. Nous rencontrons d’abord le cafard de Hao, fumant de l’herbe à chat sur le rebord de la scène. Pour le premier tiers de la pièce, dans une séquence presque fantastique, il raconte le parcours de sa vie : de sa conception lors d’un concert de Whitney Houston et sa naissance, assez graphique, dans une couche de bébé souillée à son voyage à travers les océans de l’Amérique à Hong Kong. et retour vers l’est à travers l’océan Pacifique jusqu’au Canada.

Ensuite, il y a le barde agité d’Ang, déplorant son immortalité et la façon dont ses paroles continuent de vivre dans l’esprit et la parole de ceux qui étudient son travail. Dans une scène énergique, il bondit à travers la scène, débitant des dictons qu’il a inventés et les pièces dont ils sont issus. Nos pensées sont-elles vraiment les nôtres, demande-t-il, si les mots et les phrases que nous utilisons pour les former viennent de quelqu’un d’autre ?

Au fur et à mesure que la pièce se déroule, l’insecte et le barde se chamaillent au sujet du garçon timide de Ling, dont la posture voûtée et les yeux désolés se fondent dans l’arrière-plan de la jungle urbaine grise et écrasante qu’est le décor de Christine Ting-Huan Urquhart.

Leurs histoires commencent à s’entremêler et, d’une certaine manière, ne font qu’un. Des détails apparemment insignifiants reviennent avec une résonance supplémentaire.

L’insecte et l’esprit de Shakespeare, du moins de la façon dont je l’ai interprété, font partie du moi fracturé du garçon. Le cafard est la moitié indésirable : le ravageur, l’étranger vivant dans l’ombre des autres créatures. Le barde est ce dont nous héritons – notre langue, notre culture d’adoption – mais ce n’est peut-être pas vraiment qui nous sommes.

Je déteste révéler comment exactement les trois personnages se rejoignent, mais je dirai que la scène lorsqu’elle se produit, vers la fin de la pièce de 80 minutes de Ho, est obsédante et profondément émouvante.

Le fait que le voyage jusqu’à ce point soit si gratifiant est en grande partie grâce au texte de Ho, qui est dense et stratifié, parsemé d’humour vif et d’un style idiosyncrasique qui laisse les lignes voler hors de la scène et rebondir entre les personnages.

Sous la direction assurée de Payette, le mariage entre la matière et la vision de l’équipe créative est en parfaite harmonie. La chorégraphie séduisante de Hanna Kiel accentue la poésie inhérente au scénario de Ho. Hao, Ang et Ling se tordent, glissent et grimpent les uns sur les autres et sur l’ensemble à plusieurs niveaux.

Chacun des comédiens offre des performances crépitantes. Hao et Ang sont plus grands que nature en tant que cafard et barde, avec une présence grossissante qui consomme le Tarragon Mainspace de 205 places. Pendant ce temps, la performance silencieuse de Ling en tant que garçon attire le public par sa subtilité et ses détails nuancés.

Il y a beaucoup à déballer dans ces trois performances et dans le nouveau travail ambitieux de Ho – bien plus qu’il n’est possible dans une critique de 700 mots. Alors que j’écris ce lundi, quatre jours après la soirée d’ouverture, je me retrouve encore à analyser le langage expressif de Ho, alors que les couches de l’œuvre et les connexions à l’intérieur continuent de s’attarder et de s’imprégner de mon esprit.

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