L’art et la musique, partenaires de longue date, s’entremêlent une fois de plus à Londres, où l’artiste Peter Doig explore son affection pour les mélodies à travers une exposition immersive à la Serpentine Gallery. L’événement a incité d’autres artistes contemporains à partager leur propre relation intime avec la musique.
Pour Harold Offeh, l’appréciation de la richesse musicale est venue avec le temps. « J’ai grandi dans une maison où la musique était omniprésente, mais ce n’est que récemment que j’ai pleinement réalisé sa valeur », explique-t-il. Issu d’une famille ghanéenne, il évoque les sonorités du highlife, de l’afrobeat et des chants gospel africains qui ont bercé son enfance. L’influence de son oncle, amateur de Grace Jones et de son album Island Life, a été déterminante, donnant naissance à sa série Covers, une relecture d’images d’artistes des années 1970 et 1980. Son morceau préféré ? « Je ne me lasse jamais de Songs in the Key of Life de Stevie Wonder. C’est un album double d’une ampleur extraordinaire, et As, en particulier, est empreint d’une âme profonde. C’est un voyage. »
Ragnar Kjartansson, lui, se souvient de ses trajets scolaires hivernaux en Islande, accompagnés par The Cure sur son Walkman. « Écouter Plainsong, le premier morceau de l’album Disintegration, avec ses paroles glaçantes – « Il fait si froid, comme si on était mort » – était toujours amusant quand il gelait et que j’essayais d’avoir l’air élégant pour l’école », confie-t-il. Son studio, situé près du port de Reykjavik, est un lieu de rencontre pour les musiciens, où l’on peut entendre du Bach joué au piano pendant qu’il peint. « Ma vie est imprégnée de musique. Je l’écoute en travaillant, en faisant la vaisselle, et surtout, en voiture avec ma fille adolescente. L’annonce de la collaboration entre Olivia Rodrigo et Robert Smith de The Cure a été un moment de pur bonheur. » Son morceau du moment ? « Manchild de Sabrina Carpenter, mais l’œuvre qui a profondément influencé mon approche artistique reste Dichterliebe de Robert Schumann, une déconstruction du romantisme au sommet du romantisme. »
Chris Ofili se souvient d’une époque où la musique l’aidait à masquer le bruit de la ville depuis son atelier à King’s Cross, à la fin des années 1990. Aujourd’hui, dans son atelier perché sur une colline en Trinité, les sons de la nature – le bruissement des ailes d’insectes, la pluie, le chant des oiseaux – constituent sa bande sonore. « Je dois donc choisir ma musique avec soin. Les voix et les arrangements sonores stimulent la pensée et les émotions, et peuvent être colorés, autant de considérations lors de la création de mes tableaux », explique-t-il. Il déplore le déclin de la radio, qui autrefois diffusait gratuitement de la musique à travers les ondes. « Tout comme une reproduction d’une fresque de Giotto ne peut rivaliser avec l’expérience de la contempler dans la chapelle des Scrovegni à Padoue, certaines musiques enregistrées ne parviennent pas à capturer la complexité d’une performance en direct. Entendre un orchestre de steel pan jouer en plein air en Trinité est une expérience bouleversante. » Il écoute actuellement Sault, dont les albums expérimentaux explorent l’expérience noire, la foi, l’amour et la spiritualité.
Pour Joy Labinjo, la musique est un compagnon constant de création. « J’ai souvent tendance à écouter la même chanson en boucle, et je me souviens toujours de celle que j’écoutais en réalisant une œuvre particulière », précise-t-elle. Obsédée par Peru de Fireboy DML en 2021, alors qu’elle était atteinte du Covid, cette chanson l’a aidée à se relever. « Elle me redonnait de l’énergie après le déjeuner, quand je me sentais épuisée. » Elle recherche un état de transe lorsqu’elle peint, et préfère donc les chansons familières. « J’écoute de nouvelles chansons en voiture, puis, une fois que je les connais bien, je peux les intégrer à mon atelier, où l’atmosphère est plus intime. » Son morceau du moment ? « Babyfather de Sade, pour son rythme et la sensation de détente qu’il procure. C’est un classique, mais je le découvre seulement maintenant. »
Jeremy Deller, quant à lui, estime que la relation d’un artiste avec la musique n’est pas différente de celle de n’importe qui d’autre. « Cependant, je doute que nous, les artistes, aimions la musique autant que les fans de Chappell Roan que j’ai vus à la télévision lors du festival de Reading cette année. Peut-être que, en tant qu’adultes, nous aspirons à retrouver cet état d’extase. » Il écoute rarement de la musique chez lui, car elle le distrait, préférant les conversations sur les malheurs du monde. Son morceau préféré ? « 4’33” de John Cage. Cela m’aide à réfléchir. »
Lindsey Mendick, qui rêvait de devenir chanteuse avant de se tourner vers l’art, évoque son admiration pour les Spice Girls. « Quand j’ai commencé à les écouter à l’âge de sept ans, je ne réalisais pas que le monde n’était pas favorable aux femmes. Je voyais simplement des femmes conquérir le monde et être puissantes. » Son amie, la pop star Self Esteem, l’inspire à être plus courageuse. « Ses chansons sont des hymnes pour les femmes qui ne correspondent pas aux normes. J’utilise la musique pour me remonter le moral, et il arrive parfois que je chante très fort dans mon atelier, au grand dam de mes assistants… » Son album préféré ? « Lemonade de Beyoncé. Elle y apparaît si puissante, honnête et brute. »
Tom Hammick, après avoir été artiste en résidence à l’ENO et à Glyndebourne, a été confronté à l’opéra. « Il y a un lien entre la mise en scène de l’opéra – la nuit, sous les projecteurs – et la façon dont, en tant que peintre romantique, je perçois le drame. Je suis un peintre expressionniste, et l’on peut extraire la couleur de l’obscurité, comme cela se produit dans l’opéra. » Son morceau préféré ? « Harvest Moon de Neil Young. C’est la chanson la plus romantique que j’aie jamais entendue, n’est-ce pas ? »
Enfin, Haroon Mirza, qui a commencé à écouter de la musique électronique à l’adolescence, a été fasciné par le son de l’électricité. « J’étais à une soirée, et une mixtape de 90 minutes passait en boucle. Elle s’est incrustée dans mon esprit. Plus tard, j’ai réalisé que c’était le son de l’électricité qui m’attirait. » Il compose également sa propre musique, notamment Ceasefire Algorithm, et apprécie également Everybody’s Got to Learn Sometime des Korgis.
Caroline Coon, témoin des évolutions de la musique britannique à Notting Hill, souligne l’importance du carnaval et des soundsystems dans son travail. Elle évoque sa photographie du groupe The Clash, utilisée pour la pochette de leur premier hit, White Riot, né d’une manifestation anti-raciste. « Pour moi, la musique et l’art sont inséparables. J’aime sentir les rythmes musicaux dans mes compositions picturales. » Son morceau préféré cet été ? « A Mass of Life de Frederick Delius, joué en continu – de fabuleuses séquences de chœurs massifs. »
Laure Prouvost, quant à elle, considère le son comme un matériau essentiel de son travail vidéo. « L’endroit où commence la musique est flou. Est-ce le chant des oiseaux dans le jardin ? Le bruit d’une bouilloire qui s’emballe ? La musique est partout. » Elle aime enregistrer des sons du quotidien, comme des gouttes d’eau ou des grattements, et considère le son comme l’âme de ses vidéos, l’image n’étant qu’une façade. Son morceau préféré ? « I Put a Spell on You de Screamin’ Jay Hawkins. C’est un classique. »
Mark Leckey a trouvé sa voie vers l’art grâce à la musique. « Lorsque j’étais à l’école d’art, la théorie était un obstacle à la créativité. La musique m’a permis de retrouver le chemin de la création. J’utilisais des chansons spécifiques comme plan directeur pour mes œuvres, cherchant à évoquer les mêmes sensations qu’elles me procuraient. » Son morceau préféré ? « Trip II the Moon (Part 2) d’Acen. C’est le disque le plus extatique que je connaisse, mais il est sous-tendu d’une certaine mélancolie. »
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