“La tragédie de Macbeth” de Joel Coen est le genre de film dont un héros des frères Coen, Preston Sturges, s’est moqué il y a quatre-vingts ans dans son grand film “Sullivan’s Travels”, sur un célèbre réalisateur de comédie qui cherche la pertinence en tournant son attention à un drame social super sérieux. “Macbeth”, cependant, est plus qu’un drame sérieux; c’est une vitrine toute faite pour des acteurs inspirés, et la distribution de Coen est remplie de certains des meilleurs. C’est une forme particulière de tourment cinématographique lorsque de grands interprètes sont coincés dans une production mal engendrée, car le plaisir intrinsèque de les voir est éclipsé par un sentiment de gaspillage, d’art négligé par l’obstination ou la vanité du réalisateur. Denzel Washington, en tant que Macbeth, et Frances McDormand, en tant que Lady Macbeth, adaptent leurs performances à la vision étroite du film du cinéma shakespearien, qui réduit la grandeur à la pétulance et la poésie à la décoration. L’effet global est un effort vers un style élevé qui n’est pas atteint et qui sape l’importance puissante de la pièce.
Le film est tourné en noir et blanc parce que, vous savez, les couleurs n’avaient pas encore été inventées à l’époque de Shakespeare. Il y a eu un renouveau de la réalisation de beaux films en noir et blanc cette année, comme dans “C’mon C’mon” de Mike Mills et une grande partie de “The French Dispatch” de Wes Anderson, où le format abstrait place le discours varié des personnages dans haut relief. Dans « La tragédie de Macbeth », Coen, lui aussi, met l’accent sur le langage avec ses décors épurés et austères et son éclairage artificiel à contraste élevé. Pourtant, sa focalisation sur le langage est paradoxale, car sa réduction habile de la pièce finit par mettre l’action au premier plan et éclipser la fantaisie rhétorique de Shakespeare. Coen transforme la poésie de la pièce en dialogue, parlé par des acteurs qui semblent bloqués avec la tâche de simplement livrer leurs lignes. Coen entreprend de normaliser la langue shakespearienne, mais il finit par aller trop loin. Ses acteurs parlent avec des voix conversationnelles qui, en rejetant la théâtralité, laissent également de côté l’expression nuancée. Et Coen les filme comme des piliers humains figés sur place, des distributeurs de lignes regardant droit devant lui alors qu’il les cadre avec la fadeur frontale d’un programme de télévision en réseau.
Les décors ont plus de centralité et de responsabilité que les acteurs. Le décor du film – avec ses lignes nettes, ses arêtes vives, ses murs unis, ses boucles hautes et ses vues lumineuses – suggère l’architecture imaginée par de Chirico, et Coen utilise ses portails pour fabriquer des effets d’ombre et de lumière expressionnistes allemands. Une plus grande attention et une plus grande prévoyance semblent avoir été consacrées à la création de fines bandes de lumière de fenêtre qu’au positionnement, aux gestes et à la diction de Macbeth et de Lady Macbeth dans le même cadre. Aucun courant ne passe entre ce Macbeth et Lady Macbeth. Ils occupent la même pièce et le même espace mais pas le même film. McDormand n’est pas guidé pour afficher un tempérament suffisamment impitoyable ; sa performance manque de commandement, d’urgence, de rage et de folie. Cette Lady Macbeth n’est jamais aussi forte que lorsqu’elle ordonne à ses subordonnés, et sa scène de folie se présente comme un exercice d’acteur. Washington semble réduire sa propre performance pour correspondre. Son autorité calme et magistrale imprègne le film du début à la fin, mais il est largement coincé en place aussi rigidement que les autres acteurs. La bonhomie martiale de Macbeth ne semble pas perturbée par les conflits, non troublée par la prophétie des sœurs étranges, insensible aux plans arachnides de Lady Macbeth. Washington est à son meilleur quand il est le plus décontracté, quand la pure banalité traverse la ligne, comme dans son geste d’apparence spontanée, au début, de taper Banquo sur l’épaule.
Il n’y a pas que les décors qui sont nus. Le cadre intellectuel dans lequel se déroule le film est également insignifiant. Coen reconçoit « Macbeth » comme un drame relationnel indépendant stéréotypé, plutôt qu’une symphonie de voix ou une œuvre de chambre de dialectique contrapuntique. Heureusement, parmi les acteurs de soutien, il y a quelques exceptions palpitantes : Macduff (Corey Hawkins), Lady Macduff (Moses Ingram) et leur fils (Ethan Hutchison) atteignent un niveau d’expression sublime, leurs tons de conversation tendus avec passion. (De plus, Kathryn Hunter livre une performance féroce en tant que trois sorcières qui est néanmoins subordonnée à la ruse.) Les points forts du film sont ceux qui ressemblent le plus à des séquences d’action conventionnelles, mais avec des touches piquantes de mise en scène, comme lorsque Macbeth se bat avec Siward ( Richard Short) avant de l’assassiner d’un geste désinvolte. La confrontation culminante de Macbeth et Macduff, qui se déroule non pas sur un champ de bataille mais sur une passerelle haute et étroite, est empreinte d’une combinaison de passion dramatique et de précision martiale. Il s’effondre, cependant, avec une floraison de vulgarité, lorsque Macduff tranche la tête de Macbeth et que la couronne du roi mourant vole dans les airs au ralenti.
Ce n’est qu’un, et pas le dernier, d’une série d’effets kitsch qui se déroulent tout au long du film, y compris Macbeth esquivant un trio de corbeaux; Lady Macbeth brûlant la lettre de son mari et regardant le vent la porter de la fenêtre aux étoiles ; Macbeth percevant à tort qu’une poignée de porte en forme de dague est une vraie ; et, le plus hilarant, le fou Macbeth, observant le bois s’avancer vers Dunsinane, alors qu’une rafale de vent ouvre les hautes portes vitrées de son château et l’inonde d’un flot de feuilles. Ces trucs symboliques ringards prennent la place d’une conception directoriale texturée et unifiée. Coen ne fait pas un usage significatif des silences, des regards, des pauses. Il n’évoque pas un royaume grouillant de batailles et d’intrigues. Son « Macbeth » est un Shakespeare décoiffé avec une rhétorique atténuée et les références classiques élaguées pour ne pas envoyer les téléspectateurs se précipiter vers leurs notes de bas de page. C’est un drame médiéval soigné et propre, un « Macbeth » aseptisé dans lequel l’absence d’ornement et d’enchevêtrement, la focalisation nette et rationnelle sur une action claire, est la marque d’un sérieux rigoureux. Pourtant, l’effort de Coen pour le sérieux et le désir d’importance passe de l’autre côté avec les hurleurs de la comédie involontaire.
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